Il y a un trait extrêmement commun parmi les photographes, les créateurs d'images, les professionnels de la photographie, etc. les faire progresser, puis nous a laissé un héritage de connaissances. Plus nous remontons dans l'histoire de la photographie, plus cette apathie devient courante. Qu'avez-vous à apprendre de quelqu'un qui a utilisé une caméra moins avancée qu'un ouvre-porte de garage? Eh bien, il s'avère que nous avons beaucoup à apprendre. Peut-être pas d’un point de vue technologique, mais plutôt d’une manière plus intangible, plus difficile à apprécier et facile à manquer.
Cela ne veut pas dire que vous ne pouvez pas améliorer votre photographie en étudiant les méthodes de certains maîtres. Leur équipement était varié et moins avancé, mais cela ne fait que rendre leur travail plus extraordinaire et leur compétence encore plus humiliante.
Henri Cartier-Bresson
Image de Gertrude Käsebier
Même si le nom ne sonne pas une petite cloche dans votre mémoire, il y a de fortes chances que vous ayez vu son travail à un moment donné. Il était littéralement l'inventeur du style photojournaliste… laissez cela pénétrer pendant une minute ou trois. Avant Cartier-Bresson, la vraie photographie de rue telle que nous la connaissons et le «reportage de nature morte» comme il l'appelait n'était pas une forme de photographie bien pratiquée ou validée.
Né dans une famille française de la bourgeoisie relativement bien placée en 1908, Cartier-Bresson, comme tant de photographes bien connus, n’avait pas l’intention de le devenir. La peinture était sa principale activité avant de prendre un appareil photo. Tout a changé en 1931 lorsqu'il a posé les yeux sur une photographie du photographe hongrois Martin Munkacsi. C'était une image de trois jeunes garçons dans les vagues d'un lac en Afrique. Cartier-Bresson a déclaré qu'il «ne pouvait pas croire qu'une telle chose puisse être prise avec un appareil photo» et qu'il «a soudainement compris qu'une photographie pouvait fixer l'éternité en un instant». La photographie l'a poussé à abandonner la peinture et à commencer à faire des photographies. Il était profondément un enregistreur de la spontanéité de l'expérience humaine. Vous pouvez apprendre beaucoup d'Henri Cartier-Bresson pour améliorer tous les aspects de votre prise de vue.
Leçons que vous pouvez apprendre d'Henri Cartier-Bresson:
Efforcez-vous d'être invisible
Lorsque vous travaillez en tant que photographe, il ne faut pas longtemps pour comprendre que les humains ont tendance à changer radicalement une fois qu'ils se rendent compte qu'ils sont photographiés. Leurs maniérismes, leurs expressions et leurs apparences deviennent tous sensiblement différents. La visibilité vole très rapidement le réalisme si vous ne faites pas attention. Cartier-Bresson l'a compris et s'est transformé en un ninja photographique. Il a tourné avec des appareils photo relativement petits, généralement des télémètres Leica 35 mm. Vous devez comprendre que la plupart des photographes de son temps utilisaient des appareils photo de plus grand format qui criaient pratiquement "Hé, je fais une photo de vous !!!" L'anonymat lui a permis de capturer l'essence de n'importe quelle scène d'une manière brute et discrète.
Cartier-Bresson est allé jusqu'à dissimuler toutes les surfaces brillantes de son équipement avec de la peinture noire pour diminuer encore son empreinte de photographe. Vous ne voudrez peut-être pas aller aussi loin, mais cela vous aidera à capturer de meilleures images si vous vous fondez dans votre environnement. Planifiez vos séances de manière pratique. N'emportez pas plus d'équipement que ce dont vous avez besoin et restez discret. Essayez d'attendre d'être prêt à effectuer une exposition avant de soulever votre appareil photo. Entraînez-vous à utiliser les commandes de votre caméra et mémorisez leur emplacement. Évitez également d'utiliser un flash s'il risque d'interférer avec votre sujet. Cartier-Bresson n'aurait apparemment jamais utilisé de flash pour ses images, car il les considérait comme impoli et distrayant. La photographie, en particulier le photojournalisme, dépend de la capture sérieuse de la vie dans toute sa beauté et, malheureusement, de sa misère occasionnelle. Essayez de le garder réel, littéralement.
Composer à huis clos
Je sais je sais. Vous avez probablement déjà entendu cela auparavant, et vous êtes probablement fatigué de vous faire lancer cette phrase. Je ressens ta douleur. Je roulais toujours des yeux chaque fois qu'un photographe chevronné ou un écrivain bien intentionné parlait de l'importance de bien faire les choses à huis clos. Soyons réalistes ici. Il est si facile de recadrer une image sur l’ordinateur au lieu d’utiliser le viseur de l’appareil photo. Il est tellement plus pratique de récupérer une image moins que correctement exposée que de réfléchir à vos combinaisons d’ouverture et d’obturateur.
Le post-traitement des photographies est une chose merveilleuse. Cependant, changer complètement une photographie n'est pas toujours idéal. Cartier-Bresson était absolument anti-manipulation de photos et pensait que toute photo devait être recadrée dans le viseur avant d'être capturée. Presque toutes ses photographies ont été imprimées en plein écran et ont même inclus environ un millimètre du négatif non exposé de sorte que ses tirages finis arboraient une fine bordure noire pour prouver davantage l'absence de recadrage.
Toute image est aussi bonne que les ingrédients mis dans sa fabrication. Essayez donc de mettre les meilleurs ingrédients possibles dans votre travail afin que votre produit fini soit quelque chose que vous serez fier d'afficher et de dire «j'ai fait ceci».
Concentrez-vous autant sur l'art que sur la science
Ce que nous faisons en tant que photographes aurait été considéré comme magique dans le passé. Même au niveau de base, c'est une science incroyable. Nous enregistrons une lumière tout à fait unique et éphémère. Vous ne ferez jamais deux fois exactement la même photo. La science de la création d'images est une partie essentielle de notre processus de création, mais elle ne doit jamais être considérée comme la seule.
Étonnamment, Cartier-Bresson a exprimé, à plusieurs reprises, son désintérêt presque total pour la partie plus technique de la photographie. Le développement et l'impression de ses négatifs, actions si soigneusement contrôlées et gardées par les photographes les plus sérieux de l'époque, n'étaient valables que pour lui dans les cas où ils permettaient une expression plus efficace de sa vision. Il voyait l'appareil photo comme un outil et le développement et l'impression comme un simple moyen d'atteindre une fin très attendue. Il a dit que «les gens pensent beaucoup trop aux techniques et pas assez à la vision».
Vous pouvez perdre votre direction lors de la création d'une image. Parfois, nous laissons le perfectionnisme technique éclipser notre vision initiale. Une connaissance approfondie de votre équipement est essentielle pour grandir en tant que photographe. Cependant, comme nous le dit Cartier-Bresson, ne vous permettez pas de vous concentrer sur vos outils au point d’oublier votre métier.
Alfred Stieglitz
Alfred Stieglitz est né dans ce monde le 1er janvier 1864 et l'a quitté le 13 juillet 1946. Tout ce que je peux vous dire sur l'impact de la vie de l'homme sur le monde de la photographie et de l'art créatif sera incroyablement en deçà de sa pleine mesure. de gratitude que nous lui devons en tant que photographes. Ce n’est pas une hyperbole. Avant Stieglitz, la photographie n'était pas considérée comme une forme d'expression artistique. Il n'y avait pas de véritables écoles de photographie, et ce n'était certainement pas considéré comme du grand art au niveau de la peinture et de la sculpture. Stieglitz a donné aux artistes un moyen de montrer leur travail au public et a été le catalyseur qui a aidé à démarrer la carrière de nombreux artistes célèbres, notamment les peintures de Georgia O’Keeffe et les photographies légendaires du grand Ansel Adams. Stieglitz était toujours ouvert aux nouvelles techniques et à la pensée novatrice de l'art.
Son travail est éloigné de notre époque de près d'un siècle, et bon nombre des mécanismes techniques qu'il a utilisés sont maintenant obsolètes. Pourtant, il y a beaucoup de perspicacité à tirer d'Alfred Stieglitz et de ses contributions. Nous pouvons apprendre de son approche du monde de l'art dans son ensemble, pour nous améliorer en tant que photographes.
Leçons que vous pouvez apprendre d'Alfred Stieglitz:
Exprimez-vous quand vous le pouvez
Stieglitz a créé une série d'images appelées «Equivalents». Il s'agit d'une collection de photographies montrant une variété de formations nuageuses différentes. Chaque image était une auto-réflexion des pensées, des émotions et des expériences qu'il ressentait au moment où le cadre était exposé. Cela rendait chaque image unique à lui seul. Il était la seule personne à vraiment comprendre ce qu'il ressentait à chaque déclenchement de l'obturateur. Alors sortez et photographiez quelque chose qui vous rend heureux. Partagez-le avec les autres si vous le souhaitez, ou gardez-le simplement pour vous. Allez faire des photos de quelque chose qui n'est que beau ou significatif pour vous. L'acte en lui-même est très libérateur.
Cet endroit n'a une signification particulière que pour moi. J'ai fait cette photo pour moi et personne d'autre.
Vous pensez peut-être «Je m'exprime avec tout mon travail», mais pensez-y vraiment pendant un moment. Avez-vous déjà fait une photographie et réfléchissez-vous immédiatement à la manière dont elle pourrait être acceptée ou rejetée par d'autres personnes? Partagez-vous parfois une image que vous pensez personnellement exceptionnelle mais dont personne d'autre ne semble s'en soucier? Nous l'avons tous fait plus souvent que nous ne pourrions l'admettre confortablement.
Brisez les règles si vous voulez
En termes simples, toute photographie jamais produite résulte d'une combinaison des variables suivantes: taille de l'ouverture, vitesse d'obturation, profondeur de champ, distance focale, sensibilité du récepteur d'image et composition (film, capteur numérique, ect) et c'est tout. La clé pour créer une belle image est de rassembler toutes ces pièces de manière à ce qu'elles convertissent ce qui n'était visible que dans votre esprit, en une photographie. Ce sont les seules règles à toute épreuve en photographie. En fin de compte, c’est vous qui faites les choix et utilisez la caméra.
N'ayez pas peur de sortir des sentiers battus!
Un travail vraiment formidable a résulté du fait de sortir du courant dominant. Il existe de nombreuses images époustouflantes qui ignorent complètement la règle des tiers, les lignes directrices, les horizons, etc. Ne mettez jamais complètement de côté les directives, mais ne vous convainquez pas non plus que vous y êtes définitivement lié. Apprendre et pratiquer les éléments de base testés et éprouvés d'une photographie solide vous aidera grandement. Rappelez-vous simplement que les travaux novateurs découlent souvent du contournement des règles.
Cherchez l'inspiration partout
Stieglitz a promu toutes les formes d'art. Il a ouvert des galeries pour exposer les œuvres de peintres, sculpteurs et bien sûr photographes. Il ne s’est pas limité à la photographie, à la peinture ou à des œuvres façonnées à partir de pierre et d’argile. Au lieu de cela, il a tout bu. Il a reconnu que tout était enchevêtré et entrelacé.
En tant que photographes, nous sommes en mesure de projeter presque instantanément ce qui prend parfois des jours, des semaines, voire des mois à d'autres artistes. Cependant, cette relative facilité de création peut progressivement placer des œillères sur notre pensée créatrice. Nous pouvons atteindre un point où nous ne regardons que d'autres photographies pour nous inspirer. Ce genre de pensée limite notre champ d'action en tant qu'artiste. Cet état d'esprit est particulièrement dangereux pour les nouveaux photographes et peut conduire à la frustration, à la déception et, pire encore, à l'émulation qui se transforme en plagiat.
Ne vous laissez pas avoir par une vision tunnel artistique. Commencez à chercher de l'inspiration partout pour alimenter votre photographie. Croquis en noir et blanc, peintures, sculptures sur bois, architecture, peinture au doigt pour enfants - tout a le potentiel de vous donner une touche de créativité que vous pouvez mouler dans l'inspiration photographique. La vérité est que vous ne savez jamais vraiment ce qui vous inspirera.
Veuillez partager vos questions et commentaires ci-dessous. Avez-vous déjà entendu parler de ces deux maîtres? Ont-ils influencé votre photographie?