L'édition de photographies est en soi un art. C'est ce qui a rendu légendaires tant de grands photographes. La capacité de prendre les limites d’une représentation bidimensionnelle d’un monde tridimensionnel, de l’imposer à un type de film ou de capteur numérique, puis, et alors seulement, de façonner l’image à son goût.
En effet, c'est un art, ce qui soulève la question - où est tracée la ligne pour trop de montage?
Comme l'art et comment le définir, cette réponse n'est pas simple. Nous avons chacun notre interprétation, mais examinons quelques paramètres. Il y a trois questions que vous voudrez peut-être vous poser la prochaine fois que vous plongerez pour éditer vos images.
Quelle est mon intention?
Au temps du cinéma, il fallait avoir une intention. Même si votre intention était de «déconner et d'apprendre certaines choses», vous vous êtes rendu compte qu'il y avait un coût direct à cet apprentissage. Ce coût était le film, le papier, les solutions chimiques et le temps - de plus, l'argent.
Désormais, expérimenter est tellement facile que n'importe quel enfant avec un iPhone peut le faire. Je pense que c’est une bonne chose. Expérimenter est une partie vitale de l'expression artistique et est particulièrement vrai avec la retouche photo.
Avoir une intention est important lorsqu'il est associé à l'expérimentation si vous espérez apprendre, grandir et progresser.
L'intention vous permet de savoir quand votre expérimentation va trop loin et que vos modifications sont trop importantes. L'intention est un guide merveilleux, avec beaucoup de latitude si vous le donnez.
Ma suggestion ici est d'avoir l'intention de votre expérimentation d'édition. Sachez ce que vous espérez gagner en expérimentant et ayez une direction générale.
Suis-je resté fidèle à ma vision?
La vision est là où votre intention vous mène. Avoir une vision artistique aide à placer des limites à votre travail qui sont souvent nécessaires, de peur que tout ne tourne au chaos.
Peut-être que la vision d’un photographe de portrait est de dépeindre chaque sujet de manière tamisée avec un éclairage doux et des détails durs. Ils veulent montrer ce côté de chaque sujet, et cela mène à leur intention, encore et encore. C'est reproductible.
Il s'agit d'une modification dont l'auteur admet maintenant qu'elle représentait trop de modifications, même si c'était amusant à l'époque.
Alternativement, vous êtes peut-être un photographe de paysage qui envisage votre travail comme une représentation véridique de ce que vous avez vécu, et non comme un «monde parfait» fantaisiste.
Sans avoir une vision de ce que vous voulez produire, il est facile de se laisser influencer par le chant des sirènes des outils d'édition vraiment cool qui vous entraînent vers les rochers de la ruine du montage.
Est-ce durable?
Je ne veux pas dire que tous les arts, toutes les formes d’édition que vous choisissez, doivent durer éternellement. Nous traversons tous des phases. Cela m’a frappé le plus profondément lors d’un voyage à Barcelone récemment et d’un examen du travail de Goya au cours des décennies qu’il a peintes.
Premièrement, il y a eu les premières phases de carrière de Goya où il exigeait une reproduction dans un style français et italien. C'étaient les plus importants. De beaux portraits!
Puis, plus tard, il a eu un style plus simpliste. Rempli de couleurs faciles et une interprétation plus lâche du monde qui l'entoure avec tous ses joueurs.
Dans l’une des dernières salles se trouvaient des expositions sur la «période noire» de Goya. Des tons de charbon de bois et sombres, et de terribles scènes de difficultés. Rien de tel que ce qu'il produisait auparavant.
La plupart d'entre nous traversent des périodes. Cela ne disqualifie instantanément aucun d'entre eux en tant qu'art (dans un sens d'édition), mais cela nous donne un bon miroir.
Nous sommes notre propre critique le plus dur, et nous seuls pouvons regarder en arrière le travail que nous avons fait il y a un, cinq ou vingt ans et le considérer comme de l'art ou non. Si nous voyons un style, un fil qui traverse toutes nos œuvres, il est facile de dire que nous avons créé de l’art. Cependant, si nous découvrons, grâce au temps et à la distance, que quelque chose que nous pensions être les genoux de l’abeille est maintenant, à nos yeux les plus expérimentés, des déchets, nous pouvons le mettre de côté.
L'engouement pour le HDR à titre d'exemple
Il y a quelques années, alors que la photographie numérique gagnait du terrain, l'engouement pour le HDR est venu. C'était une époque où n'importe qui pouvait utiliser une technique particulière pour obtenir ce que l'on appelle des images HDR (High Dynamic Range).
Pour certains, c'était un départ amusant de leur routine habituelle. D'autres y voyaient une chance de tout montrer dans une scène; peut-être pas la même chose que leurs yeux, mais mieux que l'alternative.
Certains d'entre nous avaient le ventre à chaque fois que nous voyions une de ces photos.
C'était nouveau et c'était nouveau. De plus, cela ne cadrait pas avec les visions de nombreux photographes. Aujourd’hui, il est difficile de trouver des exemples de ces premières tentatives qui se reproduisent encore. Ce n’était pas durable.
Bien que cela ait été amusant pendant un certain temps. Surtout pour ceux qui ont apprécié le départ de la réalité.
Je dirais que c'était un cas de trop d'édition et qu'il a connu sa disparition probable à cause de cela.
Conclusion
Bien que décider de ce qui dicte trop de montage est subjectif pour le spectateur et son expérience, j'espère que les questions que j'ai posées ci-dessus vous aideront à vous guider dans vos efforts futurs.
Je ne suis pas ici pour juger de votre travail ou pour dire que vous vous trompez peut-être. Cette voix, et ce que votre art signifie pour vous, doit venir de l'intérieur de vous.
Développez votre vision. Restez fidèle à cela. Concentrez votre intention là-dessus. Vous n'aurez alors guère à vous inquiéter si vous êtes allé trop loin dans votre travail d'édition.