Photographie de paysage d'art: le guide complet

Table des matières:

Anonim

Peut-être avez-vous entendu le terme photographie de paysage d'art.

Mais est-ce que vous devriez aspirer à faire de la photographie de paysage d'art? Et qu'est-ce qui distingue une photographie d'art d'un instantané?

Dans cet article, je vais vous expliquer tout ce que vous devez savoir sur la photographie de paysage artistique. Je vais commencer par expliquer ce que c'est réellement - et je vais continuer en vous donnant de nombreux conseils que vous pouvez utiliser pour améliorer vos propres photos de paysage!

Commençons.

Qu'est-ce que la photographie de paysage d'art?

Certains termes sont difficiles à définir et photographie d'art tombe dans cette catégorie.

«Il y a toujours deux personnes dans chaque photo: le photographe et le spectateur.»

- Ansel Adams

Cela dit, la photographie artistique concerne moins le sujet que le photographe. Votre objectif dans la photographie de paysage artistique n'est pas simplement de montrer à votre spectateur ce que vous avez vu; il s'agit de communiquer ce que vous avez ressenti d'être là et ce que la scène vous a fait ressentir.

C'était sous zéro le matin où j'ai fait cette photo dans le parc national de Yellowstone. J'ai ajouté un ton bleuâtre pour aider le spectateur à ressentir le froid que j'ai ressenti lors de la création de l'image.

«La photographie pour moi, ce n’est pas la recherche, c’est le sentiment. Si vous ne pouvez pas ressentir ce que vous regardez, vous n'obtiendrez jamais que les autres ressentent quoi que ce soit lorsqu'ils regardent vos photos. "

- Don McCullin

Alors, comment communiquez-vous vos sentiments à travers des photographies?

Voici quelques conseils à prendre en compte lors de la capture de photographie de paysage d'art.

Cette image est préférée en raison de la façon dont elle «se sent». Je pense qu'il fait un bon travail de transmettre l'atmosphère froide, humide et brumeuse d'un matin dans la gorge de Columbia de l'Oregon, un endroit où le brouillard est souvent épais.

1. Pensez à ce qui rendrait votre image unique

Avez-vous déjà fait une photo de paysage à un endroit où d'autres photographes sont alignés à côté de vous et travaillent également sur la scène?

La plupart d'entre nous l'ont fait.

La question à se poser est:

En quoi votre photo sera-t-elle différente, unique, spéciale? Qu'est-ce qui ressortira de votre image? Comment pouvez-vous mettre votre signature unique sur la photo?

Les choix que vous faites pour créer une image qui vous est unique matière. N'importe quel cuisinier peut suivre une recette, et si une douzaine de cuisiniers travaillent tous à partir de cette même recette, les plats seront essentiellement indiscernables. Le chef gastronomique qui prépare son plat signature s'efforcera cependant de rendre le repas unique.

Et en tant que photographe de paysage d'art, votre objectif doit être le même.

Presque tout le monde aime une photo de coucher de soleil, probablement à cause de ce qu'ils nous font ressentir. Injecter des sensations dans vos photos de paysage est une grande partie de ce qui fait entrer une image dans le domaine des «beaux-arts».

«Une bonne photographie concerne la profondeur de la sensation, pas la profondeur de champ.»

- Peter Adams

2. Soyez intentionnel et délibéré

Lorsque la lumière change rapidement, un photographe de paysage peut avoir besoin de se déplacer rapidement. Cependant, la plupart des photographies de paysages peuvent être réalisées à un rythme lent et réfléchi.

Plutôt que de simplement voir une scène, de positionner votre trépied, de filmer en premier et de poser des questions plus tard, faites le contraire. Avant même de toucher votre appareil photo, observez attentivement la scène. Ralentir.

Demandez-vous ce qui vous a attiré en premier sur la scène. Comment vous sentez-vous? Comment pouvez-vous mieux composer la photo? Et si vous vous déplaçiez plus haut, plus bas, vers un point de vue différent, utilisiez un objectif différent? Que pouvez-vous faire pour capturer au mieux vos sentiments dans le cadre?

La lumière du matin, le brouillard et la forêt se sont combinés pour en faire une matinée magique lorsque j'ai eu l'occasion de tourner dans la forêt d'État de Groton au Vermont.

Ne soyez jamais un tireur unique. Tirez parti de la capacité de lecture instantanée de votre appareil photo, évaluez votre image et décidez de ce qui pourrait être mieux.

Faites ensuite quelques clichés supplémentaires.

Bien qu'il ne soit pas photographe et ne parle pas de photographie de paysage d'art, le célèbre joueur de hockey Wayne Gretsky offre toujours des conseils aux photographes qui feraient bien de se souvenir:

Vous manquez 100% des photos que vous ne prenez jamais.

Wayne Gretsky

3. Pratiquer la prévisualisation

Vous saurez que vos compétences en tant que photographe se développent lorsque vous pourrez voir votre photo avant même de mettre votre œil sur le viseur.

Finalement, vous devriez prévisualiser votre image finale, avoir la vision, puis simplement utiliser la caméra comme instrument pour capturer cette vision.

C’est une belle boucle:

Plus vous photographiez, mieux vous deviendrez à voir - et mieux vous deviendrez, meilleures seront vos photographies.

J'étais allé à cet endroit plusieurs fois et j'avais donc une bonne idée de ce que je voulais quand j'y suis allé pour faire cette image de l'heure bleue. Je l'ai aidé un peu plus avec un montage aux tons divisés.

«La caméra est un instrument qui apprend aux gens à voir sans caméra.»

- Dorothea Lange

Mais si la prévisualisation est importante, la photographie de paysage d'art doit toujours être ouverte au hasard: ces moments inattendus où la lumière change, les anges chantent et le miraculeux apparaît pendant un bref instant à capturer.

Il y a souvent eu des moments où j'ai prévisualisé une prise de vue, mis en place et attendu la lumière, seulement pour que quelque chose d'incroyable apparaisse derrière moi à l'improviste.

Entraînez-vous à travailler avec les commandes de votre appareil photo afin que, lorsqu'un tel moment se produit, vous puissiez réagir rapidement et prendre la photo.

J'étais occupé à faire le premier cliché, qui était agréable et avait même un arc-en-ciel. Puis je me suis retourné et il y avait une deuxième belle opportunité. Soyez toujours prêt pour ce moment fortuit.

4. Les paysages artistiques ne sont pas que monochromes

Google «photographie d'art», et vous verrez principalement des images en noir et blanc (monochromes). En raison, peut-être, de sa longue existence, ainsi que d'un bon nombre de premiers photographes pour qui le noir et blanc était la seule option, les photographies monochromes peuvent être plus nombreuses que les images couleur dans le monde des beaux-arts.

Mais cela ne veut pas dire que les images couleur ne peuvent pas non plus être considérées comme des photographies d’art.

Revenez à notre définition: la photographie artistique concerne plus l'artiste / photographe et sa vision que le contenu de la photographie. Que ce soit en couleur ou en monochrome, la meilleure façon de représenter une vision dépendra de l’intention du créateur.

J'avais déjà décidé que cette photo d'un vieux hic devrait être monochrome quand je l'ai faite. Vous pouvez voir que la version couleur est correcte. Le cliché monochrome aux tons divisés illustre mieux une image d'art.

"Ce que j'aime dans les photographies en noir et blanc, c'est qu'elles ressemblent plus à lire le livre qu'à voir le film."

- Jennifer Price

Maintenant, gardez à l'esprit les atouts de la photographie noir et blanc. Sans l'ajout de couleur, les images monochromes reposent davantage sur les bases, les «os» d'une bonne photo: ligne, forme, forme, ton et texture.

Les images en noir et blanc sont généralement plus simples, avec une plus grande attention portée au sujet. Parfois, une image monochrome peut mieux donner un aspect ou une ambiance que son homologue couleur.

J'aime à la fois les versions couleur et noir et blanc de cette photo et je pense que l'une ou l'autre pourrait être classée comme photographie de paysage d'art.

Lorsqu'il décide si une image peut être la meilleure en couleur ou en noir et blanc, le photographe d'art doit revenir à l'objectif et se demander:

Quelle version traduit le mieux les sentiments et la vision que j'ai eu lors de la création de l'image?

Cela, et non une idée selon laquelle les photographies d'art sont toujours monochromes, devrait dicter la direction prise par le photographe.

L'un des avantages du monochrome est qu'il peut atteindre les «os» d'une bonne image - ligne, forme, forme, ton et texture - tout en supprimant les couleurs qui détourneraient l'attention de ces bases.

5. N'ayez pas peur de modifier la réalité

Nous avons dit que la photographie d’art était moins une interprétation précise d’un sujet que les sentiments et la vision du photographe.

Alors, qui dit que vous ne pouvez pas changer complètement votre image pour mieux transmettre ces choses?

Des techniques telles que de longues vitesses d'obturation pour brouiller les objets en mouvement et des vitesses d'obturation très rapides pour geler totalement les objets en mouvement rapide sont parfaitement adaptées à la photographie artistique.

Apprenez à utiliser des vitesses d'obturation longues pour prendre vos images, des simples instantanés à la photographie d'art.

Il en va de même pour le flou délibéré des scènes avec un mouvement intentionnel de la caméra (ICM) et l'utilisation d'outils numériques spéciaux pour donner à une image un aspect «pictural».

Photographie infrarouge ou autres techniques qui changent les couleurs? Sûr!

L'art est totalement subjectif, tout comme la photographie de paysage artistique.

La façon dont vous choisissez de dépeindre une scène est votre prérogative, où la «bonne manière» est ce qui communique le mieux vos sentiments et votre message.

Je voulais faire deux choses avec cette image: accentuer le froid, ce que j'ai fait avec une balance des blancs biaisée vers les tons bleus, et souligner la glace gelée et statique contre le débit de la rivière, ce que j'ai fait avec une longue vitesse d'obturation. Utilisez votre appareil photo comme un outil pour capturer votre vision.

"Je crois vraiment qu'il y a des choses que personne ne verrait si je ne les photographiais pas."

- Diane Arbus
Optez pour l'abstrait avec votre photographie d'art et essayez les images abstraites. Le mouvement intentionnel de la caméra (ICM) peut vous donner de beaux résultats.

6. Expérimentez avec l'édition interprétative

J’ai beaucoup lu sur l’expression «bien faire les choses à huis clos», ce avec quoi je suis à la fois d’accord et en désaccord. Oui, je pense qu'il faut maîtriser les commandes de leur appareil photo afin d'obtenir la meilleure exposition possible d'une image sur le terrain.

J'ai fait cette photo du Grand Fountain Geyser dans le parc national de Yellowstone un peu plus tôt dans la soirée. En post-traitement, j'ai pris la couleur vers les tons plus froids.

Oui, il est important de créer la meilleure image possible sur le terrain. Jamais une session de montage ne devrait être une mission de sauvetage où vous essayez de surmonter les erreurs commises lors du tournage. La correction d'une image dans Photoshop est une option, mais généralement pas une bonne.

Un peu plus tard dans la soirée, j'ai fait ce deuxième cliché, et je l'ai édité avec des tons plus chauds!

Cependant, l'amélioration d'une image avec l'esquive, la gravure ou l'une des dizaines d'autres techniques d'édition est la marque d'un photographe d'art expérimenté. Utiliser des compétences d'édition pour interpréter davantage une image, pour transmettre des sentiments et des intentions, fait partie du métier.

Les gens qui aiment se vanter que leurs images ne sont pas éditées et sortent de la caméra n'ont probablement jamais étudié le travail du photographe de paysage peut-être le plus renommé de tous les temps, Ansel Adams. Il n’avait pas l’avantage des logiciels de retouche numérique pour éditer ses images, mais cela ne l’a pas découragé.

Jetez un œil à certaines de ses images avant et après, et vous vous émerveillerez du changement entre le négatif capturé par la caméra et le tirage final.

J'avais opté pour un style de montage à la Ansel Adams avec cette photo de "Moonlight Over the Eastern Sierra".
Comment fais-je?

7. Mettez le temps

La photographie de paysage d’art ne se fait pas à la hâte.

J’ai vu des fabricants de logiciels affirmer que leurs programmes vous permettront de travailler plus rapidement grâce à l’intelligence artificielle. Bien que ces programmes aient parcouru un long chemin, je ne suis pas convaincu qu’ils puissent encore égaler la qualité de l’intelligence humaine de la vieille école et un style de montage plus prudent, bien que plus lent.

Vous pourrez peut-être obtenir des résultats intéressants avec un préréglage en un clic, mais cela aboutira-t-il à une image qui communique votre vision unique? Si vous remplacez un ciel par quelque chose de «en conserve», ce sera peut-être plus dramatique, mais est-ce toujours votre photo?

L'édition par intelligence artificielle (IA) fait des progrès, mais qu'est-ce qui ne va pas à prendre son temps, à utiliser l'intelligence humaine et à apprendre à modifier à l'ancienne?

Je dois aussi demander: quelle est la hâte?

J'aime la retouche photo, voir où je peux prendre une image avec un travail réfléchi. Je sais qu’il y en a qui ne se soucient pas du montage, et je suppose que c’est pas grave. Je crois simplement que l'art le plus soigneusement conçu prend du temps.

J'ai utilisé ce logiciel à l'occasion, et vous aussi. Mais plutôt que de simplement apprendre les ficelles du métier, que diriez-vous de consacrer du temps et des efforts pour apprendre le métier lui-même?

Si votre objectif est de photographier des paysages d'art avec votre style personnel et votre look, il n'y a pas de raccourcis. Les préréglages en un clic ne feront que donner à votre travail l'apparence de tout le monde!

«Une fois que vous apprenez à vous soucier, vous pouvez enregistrer des images avec votre esprit ou sur un film. Il n'y a pas de différence entre les deux."

- Anonyme

8. Voir (k) ing la lumière

J'apprécie différents types de photographie, de la nature morte de table et de la photographie macro au travail éclairé au flash et en particulier aux paysages. Ce qui différencie la photographie de paysage de beaucoup de ces autres genres, c'est l'éclairage, le degré de contrôle du photographe sur la scène et la facilité de créer le look souhaité.

Je peux prévisualiser le look que je veux pour une photo de nature morte de table, l'installer sur le comptoir de la cuisine, l'allumer, faire des ajustements et peaufiner jusqu'à ce que j'obtienne la photo que j'aime.

Ce n'est pas le cas pour la photographie de paysage.

Au lieu de cela, je dois me rendre dans la zone que je veux photographier, être là quand le temps est coopératif, la lumière est bonne, le feuillage est en saison, et tout le reste (rien de tout cela sous mon contrôle) se réunit. Si jamais ça arrive.

Mais c'est aussi la joie de la photographie de paysage aux beaux-arts.

Parfois, il faut juste attendre… et attendre… et attendre encore. Il avait été couvert toute la journée, mais quelques instants avant le coucher du soleil, alors que le soleil approchait de l'horizon, le ciel éclata avec cette lumière unique. J'adore l'ambiance de cette photo de la côte de l'Oregon.

Cela pourrait signifier s'asseoir patiemment dans le froid d'avant l'aube, en espérant que les nuages ​​arrivent juste comme il faut et que le lever du soleil frappe juste comme ça. Vous pouvez parcourir des kilomètres pour vous rendre à ce point de vue pour un coucher de soleil qui ne vient jamais, ou avoir de la chance et avoir un orage soudain sur le canyon avec des nuages ​​dramatiques et des éclairs.

Le manque de contrôle fait partie de l'attrait de la photographie de paysage, le fait de savoir que la chance est vraiment lorsque la préparation rencontre l'opportunité.

«Ma vie est façonnée par le besoin urgent d'errer et d'observer, et mon appareil photo est mon passeport.»

- Steve McCurry

Donc, si vous voulez être un grand photographe de paysage d'art, vous devrez y travailler. Vous devrez vous sacrifier un peu, vous lever avant le lever du soleil, rester bien après le coucher du soleil, marcher dans des endroits difficiles, rechercher des endroits que les photographes en voiture ne verront jamais et vous efforcer d'être différent avec vos images, capturant pas seulement ce que vous voyez, mais ce que vous ressentez.

Un ciel orageux et maussade et un arbre étrange et tordu atteignant la lumière. J'aime la sensation de ce cliché, que j'appelle «The Creature Rises».

9. Filmez sur un thème

Parfois, un bon moyen de stimuler votre créativité est de tirer sur un thème. Plutôt que de simplement attraper votre équipement et de vous rendre à un endroit pour faire de la photographie de paysage avec tout ce que vous voyez, décidez que vous allez adapter toutes vos images à un thème.

Décrivez visuellement un concept ou faites peut-être des photos comme si vous faisiez un article sur un lieu ou un seul sujet. Ensuite, utilisez le «vocabulaire visuel» de vos photographies pour décrire et définir ce sujet.

Ajoutez votre propre style en tant que photographe de paysage d'art pour déterminer ce que vous voulez que votre spectateur sache et ressente à propos de votre sujet.

J'aime la sensation sereine de ces feuilles d'automne tombées flottant dans les eaux calmes et sombres d'un tourbillon de rivière. J'ai passé plus d'une heure à travailler ce thème et à créer de nombreuses images.

"L'intérêt de prendre des photos est de ne pas avoir à expliquer les choses avec des mots."

- Elliott Erwitt

10. L'impression est la performance

Aujourd'hui, la plupart des photos réalisées ne sont probablement jamais imprimées. Au lieu de cela, ils ne sont affichés que sur des moniteurs ou des écrans LCD, et parfois projetés. À l'époque du cinéma, les photographes n'avaient pas de telles options. Après avoir tourné et développé leur film, ils n'étaient qu'à mi-chemin de pouvoir montrer leur photo aux téléspectateurs. Les impressions étaient obligatoires.

Ansel Adams l'a vu de cette façon:

Le négatif est l’équivalent de la partition du compositeur et l’impression de la performance.

- Ansel Adams

Lorsque je parle de la photographie de paysage d'art, je dois poser la question:

Une photographie peut-elle être considérée beaux-arts si elle n'est affichée que sur un moniteur et jamais imprimée?

Si vous avez passé du temps dans une galerie de photos et regardé de près des photographies imprimées, vous saurez qu’il n’ya pas de comparaison entre voir une photographie imprimée et voir cette même image sur un moniteur. Les impressions peuvent rendre beaucoup plus de détails, de couleurs et de tons.

Même le type et la texture du papier ou de tout autre substrat sur lequel une photographie est imprimée peuvent faire une énorme différence.

Enfin, lors de la visualisation de photographies sur un écran, la lumière est produite par l'écran lui-même, tandis que lorsque vous visualisez une impression, la lumière est réfléchie. Cela change la façon dont vous voyez la photo.

C'est une belle image à l'écran, mais pour vraiment l'apprécier, il faut voir une impression. Ensuite, selon le type de papier, ou peut-être même sous forme d'impression sur acrylique ou aluminium, cela ressortirait vraiment.

Donc, pour répéter ma question d'une manière différente:

Une photographie doit-elle être imprimée pour être considérée beaux-arts?

Je pourrais discuter d’un côté ou de l’autre, mais je dois avouer que je suis un grand partisan de l’imprimerie. Oui, apprendre à faire soi-même de bonnes impressions est une toute autre compétence et n'est pas facile à apprendre. Obtenir simplement la couleur et la luminosité d'une image imprimée pour correspondre approximativement à ce que vous voyez sur votre moniteur est un défi.

Mais je dirais qu'apprendre à imprimer fait partie de l'artisanat photographique.

Vous pouvez également choisir de confier vos photos à un imprimeur professionnel dont la spécialité est de savoir comment tirer le meilleur parti de votre image. Ça va aussi. Je suppose que ce que je veux dire, c'est que la différence entre une photographie de paysage imprimée et la même image vue sur un moniteur est presque aussi grande que la différence entre aller à un concert et simplement en regarder un à la télévision.

«Les tirages d’art créés par l’artiste ou son collaborateur sont importants car ils représentent le mieux la vision de l’artiste. Les images affichées sur des appareils numériques sont sujettes à la nature non uniforme des différents affichages et elles peuvent apparaître radicalement différentes de ce que l'artiste a voulu. »

- Mac Holbert

11. Vos photos vous concernent

Ce que vous voyez, ce qui attire votre œil et votre appareil photo, et la manière dont vous choisissez d'interpréter un sujet en dit long sur vous.

Même si vous n’avez pas consciemment défini une «vision photographique» pour vous-même, il y a de fortes chances que, si vous examinez vos archives, vous serez en mesure d'identifier les points communs dans votre travail.

J'espère que vous aurez développé un système de notation (peut-être un code couleur ou un classement par étoiles, comme cela peut être fait dans Lightroom) afin que vous puissiez déterminer les photos que vous considérez comme vos préférées. Prenez le temps de parcourir vos meilleurs clichés et peut-être prendre quelques notes sur la définition des styles, des fonctionnalités ou des techniques.

Que faites-vous toujours qui fonctionne et quel style de signature avez-vous?

"Ne photographiez que ce que vous aimez."

- Tim Walker
Le tir d'avant l'aube sur la gauche a nécessité des frissons dans le froid d'un matin de montagne. La brume pendait au-dessus de Little Redfish Lake dans l'Idaho. Sur la photo de droite, je peux encore sentir l'air frais de l'automne et le bruit du bruissement des feuilles dans le bosquet de trembles. J'espère qu'un spectateur aura une idée de ces moments dans mes images.

Concentrez-vous spécifiquement sur vos images de paysage et recherchez les points communs. Qu'est-ce qui a bien fonctionné? Qu'est-ce qui n'a pas fonctionné? Comment pouvez-vous trouver des moyens de tirer parti de vos succès et de définir et développer davantage votre style personnel afin que vos images communiquent avec votre spectateur?

«Nous faisons des photographies pour comprendre ce que nos vies signifient pour nous.»

- Ralph Hattersley

Lorsque vous considérez le sujet de la photographie de paysage d'art, vous vous demandez peut-être: «Mon travail est-il à la hauteur? Suis-je assez bon pour que mes photographies puissent être considérées comme des beaux-arts? Est-ce que je fais partie du club d'élite des photographes d'art? »

Je dirais que ce qui constitue une photographie d’art est moins une question de qualité de l’image, et beaucoup plus de succès du photographe à communiquer quelque chose au spectateur.

Je connais l’arrière-plan de cette image, mais vous, en tant que spectateur, ne l’êtes pas. Cette image vous parle-t-elle? Ça dit quoi? Que pensez-vous et ressentez-vous quand vous le voyez? De bonnes photographies parlent au spectateur.

«Les bonnes photos sont comme de bonnes blagues. Si vous devez les expliquer, elles ne sont pas très bonnes. »

Anonyme

Si vous voulez réussir dans la photographie de paysage artistique ou dans tout autre genre de photographie, apprenez à vos photos à parler d'elles-mêmes. S'ils étaient affichés dans une galerie sans que vous soyez là pour dire un mot, que diraient-ils à un spectateur? Que ressentirait une personne en les regardant?

Oui, une photo peut valoir 1000 mots, peut-être plus. Mais il doit parler de lui-même!

Photographie de paysage d'art: Conclusion

Maintenant que vous avez terminé cet article, vous savez tout sur la photographie de paysage d'art.

Et vous savez comment créer vos propres photos de paysages beaux-arts!

Alors sortez et tirez. Meilleurs voeux dans vos efforts photographiques!

Le bleu froid d'une journée d'hiver dans l'Idaho avec juste une touche de rouge sur une grange lointaine. Celui-ci en dit long sur moi, là où je vis, ce que j'aime, les images que j'aime faire. Que disent vos photos sur vous?

FAQ sur la photographie de paysage d'art

Qu'est-ce que la photographie d'art?

Cette description de Wikipédia le résume bien: «La photographie d'art est une photographie créée en accord avec la vision du photographe en tant qu'artiste, utilisant la photographie comme moyen d'expression créative. Le but de la photographie artistique est d'exprimer une idée, un message ou une émotion. »

Une image doit-elle être en noir et blanc pour être considérée comme une photographie d'art?

Bien que de nombreux photographes choisissent d’utiliser le noir et blanc lors de la réalisation de photos de paysages artistiques, et que les images traditionnelles aient été réalisées de cette façon, ce n’est pas une obligation. Le photographe doit choisir la représentation qui exprime le mieux son intention pour l'image.

Comment la prévisualisation peut-elle m'aider à réaliser des photographies d'art?

De bonnes photos sont prises dans l'esprit, et l'appareil photo devient alors un outil pour capturer ce que le photographe a déjà «vu».

Une photographie doit-elle être imprimée pour être considérée comme «beaux-arts»?

Non, mais une impression peut faire beaucoup plus pour transmettre le message du photographe au spectateur en tant qu’objet physique tangible avec une subtilité beaucoup plus grande de couleur, de ton et de résolution plus élevée. De plus, alors que chaque dispositif d'affichage affectera la façon dont l'image est vue, une impression conserve l'aspect de l'image tel que le photographe l'a prévu. L'impression fait également partie de l'art et de l'artisanat de la photographie.

Si vous ne pouviez donner qu'un conseil sur la réalisation de photographies de paysages d'art, quel serait-il?

Déterminez ce que vous voulez que votre spectateur voie, pense et ressente lorsqu'il regarde votre image, et insufflez à votre photo ces qualités pour qu'elle puisse parler d'elle-même au spectateur.