L'un des grands attraits de la photographie est qu'elle mêle à la fois l'art et la science. Le côté créatif et artistique est, bien entendu, l'aspect le plus important. Comprendre ce qui fait une photographie belle et intéressante est quelque chose qui prend du temps et de l'expérience à maîtriser. Mais en même temps, votre photographie n'ira nulle part si vous ne comprenez pas la science et la technique nécessaires à la création d'une photographie de haute qualité. C’est l’union des deux qui fera de vous un grand photographe.
Voici donc le processus technique derrière la production d'une photographie de haute qualité.
1. Netteté
Comme le disait Henri Cartier-Bresson, «La netteté est un concept bourgeois», mais seulement si vous comprenez d'abord comment prendre des photos nettes. Les photographies nettes sont dues à 100% au travail que vous faites dans l'appareil photo, pas en post-production. Si vous devez affiner une photo en post-production pour la rendre belle, c'est que vous le faites mal.
Vitesse d'obturation
La vitesse d'obturation est le paramètre principal à prendre en compte pour créer une photo nette. Si l'appareil photo est portable, votre vitesse d'obturation doit toujours être divisée par 1 par la distance focale pour compenser le tremblement de votre appareil photo portable.
Donc, si vous utilisez un appareil photo plein format avec un objectif de 50 mm, votre vitesse d'obturation doit être d'au moins 1 / 50e de seconde. Si vous utilisez un capteur APS-C recadré avec une conversion 1,6, cela signifie qu'un objectif de 50 mm aura en fait l'équivalent d'une distance focale de 80 mm, vous aurez donc besoin d'une vitesse d'obturation d'au moins 1 / 80e pour que la photo soit nette. .
Si vous photographiez des personnes en mouvement et que vous voulez qu'elles soient nettes, je suggère une vitesse d'obturation de 1 / 250e de seconde ou plus pour les sujets en mouvement plus rapide.
Ouverture
Vous devrez également considérer l'ouverture que vous souhaitez utiliser en fonction de l'image que vous prenez. Utiliser plus souvent une ouverture plus petite (numérotée plus élevée comme f / 16) permettra à une plus grande partie de votre scène d'être nette. Le seul compromis à faire est que vous devrez utiliser une sensibilité ISO plus élevée si la lumière n'est pas idéale et que vous photographiez à main levée. Une sensibilité ISO plus élevée ajoutera du bruit à l'image, mais dans de nombreux cas, cela vous donnera une image de bien meilleure qualité car elle vous permettra d'utiliser simultanément une vitesse d'obturation plus rapide et une ouverture plus petite. Vous devriez avoir plus peur d'utiliser la mauvaise vitesse d'obturation ou la mauvaise ouverture que d'utiliser une sensibilité ISO plus élevée.
Cependant, l'utilisation d'une faible profondeur de champ (en sélectionnant une grande ouverture comme f / 4) peut souvent rendre une photo incroyablement belle. Pour des images comme celle-ci, vous devez accorder encore plus d'attention à la bonne mise au point. Manquer la mise au point avec une faible profondeur de champ ruinera votre photographie. Vous devez faire la mise au point sur le sujet principal et faire attention aux problèmes de mise au point arrière où l'appareil photo effectue la mise au point sur l'arrière-plan par accident.
Avoir une bonne maîtrise de tout cela est la première étape pour créer une impression finale de haute qualité. Si vous faites tout cela bien, vous n'aurez plus à penser à la netteté à aucune autre étape du processus.
2. Lumière et exposition
Oui, tant que vous filmez en RAW, vous pouvez corriger votre exposition lors de l'édition, et un pourcentage élevé de photos devra être légèrement modifié en post-production. Cependant, mieux vous obtiendrez une exposition correcte dans l'appareil photo, plus vos photos finales seront de haute qualité. Les tons et les couleurs seront meilleurs et vous aurez un point de départ plus précis pour rendre une photo aussi belle que possible.
Comprendre la lumière est extrêmement important pour obtenir une exposition correcte dans l'appareil photo. Tout le monde se trompe de temps en temps, mais comprendre les situations dans lesquelles le photomètre de la caméra peut se tromper vous aidera à minimiser ces erreurs.
Le posemètre de votre appareil photo veut toujours donner aux choses un gris neutre. Par exemple, s'il y a beaucoup d'objets sombres dans votre cadre, le photomètre de l'appareil photo essaiera souvent d'éclaircir la photo pour que ces tons sombres ressemblent à un gris neutre, de sorte que l'image résultante ne ressemblera pas à la scène réelle. Pour les scènes avec de nombreux tons clairs comme un jour de neige, la caméra assombrit souvent trop l'image. Un problème similaire peut survenir en raison de vos sources lumineuses. Si vous photographiez au soleil, votre sujet sera dans l'ombre tandis que tout le reste sera lumineux, vous devrez peut-être éclaircir l'image en conséquence.
C'est là que vous devez utiliser la compensation d'exposition (ou prendre des photos en manuel) pour obtenir l'exposition aussi proche que possible de la correction. Plus vous vous rapprochez, moins vous aurez à faire en post-production.
3. Composition
Une composition solide est l'une des clés les plus importantes pour créer une superbe impression finale. Je ne vais pas entrer dans un discours entier sur les règles de composition d'elle. Mais il suffit de dire qu’il est très important de comprendre que l’idée de composition résulte de l’objectif de diriger les yeux du spectateur à travers une image. Une bonne composition fera bouger les yeux d'une personne sur une impression d'une manière logique et agréable.
Des sujets bien placés, de la lumière, des lignes, des motifs et même des couleurs peuvent être utilisés pour déplacer les yeux. De plus, il est important de savoir que les yeux d’un spectateur veulent naturellement sortir d’une image. Le fait de placer des objets dans les coins peut empêcher cela et aider la photo à se sentir plus équilibrée. C'est pourquoi un ciel nuageux est généralement préférable à un ciel clair, car les nuages empêchent les yeux de se déplacer hors de l'image. C'est aussi pourquoi les peintres paysagistes peindront des branches d'arbres dans les coins supérieurs de leurs paysages.
4. Postproduction primaire
L'étape de post-production est l'endroit où de nombreuses erreurs peuvent survenir. Il est très facile d'aller trop loin, en particulier avec la netteté, le contraste, les hautes lumières, les ombres et la couleur. Le résultat ressemble souvent à ce que le photographe essayait de créer une peinture au lieu d'une photographie. Si vous voulez peindre, prenez un pinceau.
Lorsque vous commencez à travailler sur une image, l'exposition, la température de couleur, le contraste, les hautes lumières et les ombres sont les premiers éléments à ajuster. Si la photo a été bien capturée dans l'appareil photo, vous n'aurez souvent pas à les modifier beaucoup, mais généralement, la plupart des images auront besoin d'un petit ajustement.
L'idée ici est de ne pas en faire trop. Le réalisme est important pour qu'une photographie soit belle. Vous n'avez pas besoin de voir chaque petit détail dans les tons clairs et les ombres. Si vous le souhaitez, vous devez sortir et prendre des photos au bon moment de la journée pour créer ce look - tôt le matin, tard dans la journée ou par temps couvert. C’est ainsi que vous obtenez des photos aux tons uniformes. Créer des tons uniformes dans des images là où ce n’était pas le cas dans la scène originale donnera à la photographie un aspect faux. Dans le même ordre d'idées, il peut être très important de conserver certaines imperfections dans vos photos. Les imperfections peuvent garder une image comme un moment réel et extraordinaire, par opposition à une peinture idéalisée.
Le vignettage est souvent une étape finale importante de la post-production générale, car il aide à empêcher les yeux de se déplacer hors de l'image et attire davantage l'attention sur le milieu du cadre. Cependant, il est si facile d'en faire trop. Une vignette réussie sera souvent subtile et imperceptible, mais elle fera une énorme différence pour l'impression finale.
5. Couleurs
Chaque fois que vous modifiez un négatif numérique, cela peut affecter les couleurs de l'image. L'ajout de contraste, la modification des ombres ou des tons clairs ou la modification de l'exposition auront tous un effet sur les couleurs et les rendront moins réelles. Si vous devez effectuer un travail important sur une image, faites toujours attention à la façon dont cela change la couleur. Parfois, vous devrez réduire la force des couleurs (la vibration ou la saturation) ou ajuster la température de couleur pour conserver le réalisme de l'image.
Il est important de vous assurer d'avoir un moniteur étalonné en couleur que vous étalonnez assez régulièrement. Il est impossible de modifier correctement une image si les couleurs de votre moniteur sont désactivées. La photographie que tout le monde verra lorsque vous la partagerez sera différente de ce que vous voyez sur votre écran, et c'est un gros problème.
Pour l'impression, vous souhaitez toujours utiliser le plus grand espace colorimétrique disponible.Par conséquent, ProPhoto RGB ou Adobe RGB doit être utilisé lors de la réalisation d'une impression (vérifiez auprès de votre laboratoire si vous l'envoyez et assurez-vous d'utiliser l'espace colorimétrique recommandé) , mais sRGB est le meilleur espace colorimétrique pour montrer une image sur un moniteur. Utilisez toujours sRGB pour le partage Internet.
6. Redimensionnement
Le redimensionnement avant l'impression est une étape très importante et doit être effectué correctement. Vous ne voulez jamais redimensionner une image deux fois car cela affectera la qualité de l'image de manière significative, alors travaillez toujours avec l'image d'origine et redimensionnez juste avant l'impression. J'utilise On1 Resize pour tous mes agrandissements et je le recommande vivement. J'utilise Photoshop pour réduire la taille d'une photo et j'utilise le paramètre d'interpolation bicubique (je trouve que le bicubique plus net, qui est recommandé pour les réductions, peut en fait sur-affiner l'image finale, mais ce n'est que mon choix personnel).
7. Affûtage
Si vous choisissez d'ajouter un niveau final de netteté à votre impression, il est temps de le faire à la toute dernière étape, même après le redimensionnement. Cela garantira la meilleure qualité pour votre impression finale. Cependant, je vous recommande fortement d'envisager de ne pas du tout affûter en post-production, ou du moins de le faire très subtilement. Si vous suivez toutes les étapes pour arriver à ce point, votre image sera déjà belle et nette, et l'impression finale aura fière allure.
Tant d'images qui flottent ces jours-ci sont trop accentuées à des niveaux extrêmes et le résultat semble incroyablement faux et croquant. J'aiguisai rarement mes impressions, à l'exception de quelques clichés problématiques. Si vous avez des réserves à ce sujet, testez-le et créez des impressions côte à côte, l'une affûtée et l'autre non affûtée. Après des années à affiner mes images, c'est ce que j'ai fait pour finalement arriver à la conclusion que la netteté n'ajoutait plus rien aux impressions. J'ai testé une variété d'impressions de différentes tailles côte à côte avec une version affûtée.
Conclusion
J'espère que toutes ces étapes auront du sens et vous aideront dans votre cheminement pour mettre en place de belles impressions encadrées de votre travail. Une grande partie de tout cela consiste à entraîner votre œil, alors assurez-vous de regarder fréquemment le travail des autres photographes, en particulier sous forme de tirages réels. La fréquentation des galeries et des musées peut être un moyen fantastique d'améliorer votre œil et, finalement, la qualité de votre travail.