Ce qui était autrefois une petite niche étrange dans la photographie est maintenant un phénomène mondial. La photographie culinaire ne gagne en popularité que si les 32 millions de publications actuellement sur Instagram sont quelque chose à faire.
La photographie culinaire est là pour rester, mais ce n’est pas un genre facile à maîtriser.
Notre guide vous donne quelques-uns des meilleurs conseils et astuces pour vous aider à obtenir des résultats alléchants.
Équipement
Appareils photo
La première chose à laquelle vous devez penser lorsque vous êtes à la recherche d’un nouveau boîtier d’appareil photo est la taille du capteur.
Que vous décidiez d'acheter un appareil photo avec un capteur recadré ou d'investir dans un plein format, votre budget déterminera probablement votre choix.
La chose importante à savoir est que votre appareil photo et vos objectifs se comportent différemment lorsqu'ils ont un capteur recadré qu'un plein cadre.
Chaque caméra a un facteur de recadrage. Il s'agit d'un nombre utilisé pour décrire à quel point l'appareil photo recadre votre image par rapport au 35 mm standard.
Un appareil photo plein format correspond à la norme recadrée 35 mm d'un appareil photo argentique traditionnel. Il a une taille de capteur de 24 mm x 36 mm. Un capteur recadré est plus petit que cela et est donc moins cher à fabriquer pour les fabricants d'appareils photo. Il ne correspond pas à beaucoup d’objectifs et les images finales sont différentes.
Le Canon Rebel, par exemple, a un facteur de récolte de 1,6. Cela signifie que vous multipliez 1,6 fois la distance focale de votre objectif pour obtenir la distance focale réelle à laquelle il ressemblera à vos photos.
Sur un appareil photo plein format, un objectif 50 mm se comporte comme un 50 mm. Mettez ce même objectif sur un appareil photo avec un capteur recadré, il se comporte plus comme un 80 mm.
Lentilles
Les objectifs sont ceux où vous devriez dépenser la plus grande partie de votre budget. Vous devriez les considérer comme un investissement à long terme dans votre métier.
Voici les facteurs à considérer:
Acuité
Votre plus grande préoccupation lors de l'achat d'un objectif est la netteté.
Les objectifs de premier ordre sont préférables lors de la prise de vue d'aliments car ils sont plus nets que les zooms.
Les objectifs zoom ont plus de pièces mobiles qui permettent au zoom de fonctionner. Cela a tendance à réduire la qualité et la netteté de l'image.
Les objectifs Prime sont généralement «plus rapides». Ils ont une ouverture maximale plus grande, ce qui permet des vitesses d'obturation plus rapides.
Ils vous offrent également une profondeur de champ beaucoup plus étroite, vous permettant d'isoler votre sujet et d'obtenir ce très bel arrière-plan flou que nous aimons tous dans la photographie culinaire.
L'objectif 50 mm
Le 50 mm peut également être un objectif utile, surtout si vous n’avez pas de zoom. Cet objectif est idéal pour les prises de vue en hauteur et les tableaux. Cependant, cela peut vous donner une certaine distorsion lorsque vous prenez une photo de style portrait. Dans la photographie culinaire, le 50 mm est en fait considéré comme un objectif grand angle.
Le 50 mm f / 1,8 est souvent appelé le «astucieux-cinquante» car il vous donne des résultats décents à un prix très bas. Si vous débutez et que votre budget est serré, procurez-vous celui-ci.
L'objectif 24-70 mm
Bien que les primes soient idéales, il est en fait très utile d’avoir un objectif zoom dans votre kit, tel qu’un 24-70 mm.
Il est très net pour un objectif zoom et vraiment polyvalent. De nombreux photographes culinaires considèrent cela comme un aliment de base dans leur kit.
La macro 60 mm
Si vous photographiez avec un capteur recadré, une macro de 60 mm est un excellent choix.
Sur un capteur recadré, cela ressemble plus à un capteur de 100 mm. Si vous passez au plein format, vous pouvez l'utiliser comme vous le feriez pour un 50 mm.
Cet objectif vous permet d'obtenir des prises de vue à 3/4 d'angle de votre sujet avec un joli bokeh sur un capteur recadré.
Vous n'obtiendrez pas non plus la distorsion à cet angle que vous obtiendriez lors de la prise de vue avec une distance focale plus large, comme un 50 mm.
La macro 100 mm
Un excellent objectif à avoir dans votre kit est un objectif macro 100 mm. Cet objectif n'est pas seulement destiné aux prises de vue macro ou en gros plan, bien qu'il soit également excellent pour ces derniers.
En vous éloignant de votre ensemble, vous pouvez également obtenir de très belles photos de style portrait. La distance focale vous donnera un superbe arrière-plan flou.
Si vous optez pour l'objectif macro 100 mm / 105 mm sur un capteur recadré, vous photographierez à une distance focale de 150 mm.
Ce sera une récolte très serrée, ce qui peut être un problème si l'espace est un problème.
Trépieds
Un trépied est un doit pour la photographie culinaire. Il vous aide à créer des images cohérentes et vous libère du style en fonction de ce que vous voyez à travers votre appareil photo.
La plus grande exigence d'un trépied est la stabilité. Un trépied doit pouvoir supporter le poids de votre appareil photo et de votre objectif.
Lorsque vous achetez un trépied, recherchez-en un avec une hauteur et une orientation réglables. C'est là que vous avez une colonne centrale que vous pouvez déplacer.
Assurez-vous qu'il a des pieds en caoutchouc pour éviter tout glissement et qu'il a une charge utile élevée.
La charge utile fait référence au poids que le trépied est capable de supporter. Il doit supporter le poids de votre appareil photo, de votre objectif et de tout autre ajout tel qu'un support ou un bras d'extension.
Stylisme alimentaire
L’objectif du style alimentaire est de donner à la nourriture son meilleur aspect. La plupart des aliments ont besoin d'un peu de traitement pour les rendre présentables à la caméra.
Voici quelques éléments à prendre en compte lors de l'approche du style alimentaire:
Utilisez la nourriture la plus fraîche possible
La nourriture que vous photographiez doit être aussi fraîche que possible pour qu'elle soit attrayante dans vos images. Lorsque vous magasinez pour vos ingrédients, veillez à acheter les articles les plus frais et les plus beaux disponibles.
Ayez toujours votre scène, votre éclairage et votre appareil photo à portée de main avant de placer votre nourriture sur le plateau.
Lorsque vous ajustez vos paramètres d'éclairage et de caméra, utilisez un substitut de couleur et de forme similaires à ceux de votre nourriture en tant que substitut. Remplacez-le par votre «héros» (votre principal sujet de nourriture) au dernier moment, afin qu'il ait l'air aussi frais et appétissant que possible.
Achetez plus que ce dont vous avez besoin
Lorsque vous faites l’épicerie, assurez-vous d’en acheter plus que ce dont vous pensez avoir besoin pour le tournage. Les aliments sèchent, fondent, brunissent ou commencent à paraître peu attrayants dans un court laps de temps.
Il doit être remplacé par des articles plus frais.
Selon la nourriture, vous pouvez également avoir besoin de beaucoup d'articles pour remplir le cadre.
Placage
Le facteur le plus important lors du choix des plats sur lesquels vous présenterez votre nourriture est la taille.
Les objets peuvent sembler très différents à la caméra et à l'œil et semblent souvent plus grands que prévu. Pour cette raison, il est judicieux de choisir des plats plus petits que ceux que vous utiliseriez habituellement.
Présentez vos sujets sur des assiettes à salade ou des assiettes plus petites. Les grandes assiettes peuvent éclipser le sujet principal et dominer le cadre.
Garnitures
Les herbes et les épices, ainsi que des articles tels que les croûtons, peuvent rehausser vos plats.
Des brins de diverses herbes comme le romarin peuvent être attachés ensemble avec de la ficelle de cuisine pour faire de petits bouquets que vous pouvez utiliser pour ajouter du contexte à votre histoire culinaire.
Vous pouvez agrémenter un bol de soupe ordinaire avec un filet de crème et une pincée de ciboulette hachée.
La clé est que vos garnitures doivent avoir un sens dans le contexte plus large de votre scène. Si vous tirez du saumon avec une sauce au citron et à l'aneth, ne le garnissez pas de basilic.
Lorsque vous utilisez des herbes, utilisez les plus fraîches possible et remplacez-les au fur et à mesure que vous tirez. Ils flétrissent ou s'oxydent rapidement. Les herbes coupées peuvent être conservées au frais beaucoup plus longtemps au réfrigérateur lorsqu'elles sont enveloppées dans une serviette en papier humide.
Accessoires
Vous devez avoir une collection d'accessoires de photographie culinaire.
Un accessoire est tout élément que vous utilisez sur le plateau pour améliorer l'image. Dans la photographie culinaire, il s'agit généralement d'ustensiles de cuisine, comme des assiettes et des couverts, des bols et des ustensiles de service et du linge de maison.
Lors de la sélection de vos accessoires, pensez à votre style de photographie culinaire et aux types d'accessoires qui le compléteraient.
Si votre style est vraiment épuré et élégant, ou plus raffiné, de tels accessoires n'auraient pas beaucoup de sens et vous seriez mieux avec des pièces plus délicates.
En général, évitez les couleurs très vives et les motifs audacieux, car ils distraient de la nourriture. Les pièces colorées peuvent ajouter un point d'intérêt, mais elles doivent travailler avec la composition et la sensation générales de la photo.
N'utilisez pas beaucoup d'accessoires. Quelques-uns des bons accessoires peuvent avoir beaucoup d'impact sur la narration d'une histoire visuelle, mais trop nombreux détourneront l'attention du spectateur et domineront l'image.
Lors de la sélection de vos accessoires, commencez par une ou deux pièces, peut-être une assiette à salade neutre et un couteau ou une cuillère vintage. En cas de doute, restez simple.
Arrière-plans
Vous aurez besoin d'une variété d'arrière-plans intéressants sur lesquels placer votre nourriture.
Utilisez une variété d'articles pour vos arrière-plans, comme du tissu, du papier kraft ou de grands carreaux de sol. Vous pouvez également faire preuve de créativité et créer le vôtre.
Achetez des feuilles de bois et peignez-les ou teintez-les vous-même. Il existe également d'excellentes ressources en ligne pour acheter des antécédents professionnels en photographie culinaire et ils sont expédiés dans le monde entier.
Lorsque vous photographiez de la nourriture, les arrière-plans neutres ou aux tons froids comme le bleu fonctionnent généralement mieux.
Éclairage
Modificateurs d'éclairage
Que vous utilisiez de la lumière naturelle ou artificielle, vous devrez modifier votre source de lumière.
Un élément important de votre kit est un diffuseur. Il s'agit d'un panneau de matériau blanc transparent que vous placez au bord de votre table pour adoucir la lumière qui frappe votre scène.
Vous aurez également besoin d'outils simples pour rebondir et absorber la lumière. Vous pouvez acheter un kit de réflecteur professionnel 8 en 1, avec des disques pliables dans une variété de matériaux à utiliser dans vos tournages, comme illustré ci-dessous.
Le réflecteur argenté, par exemple, peut égayer vos plats, tandis que le réflecteur doré ajoutera de la chaleur. Il est généralement livré avec un diffuseur.
Pour une version DIY, vous pouvez également utiliser un simple carton noir ou blanc acheté dans un magasin d'artisanat ou à un dollar. Le blanc illumine votre scène, tandis que le noir absorbe la lumière.
Styles d'éclairage
Vous devriez avoir une idée de ce à quoi vous voulez que votre image finale ressemble avant de prendre votre appareil photo. Voulez-vous que la lumière soit douce et dimensionnelle, ou recherchez-vous un contraste saisissant?
Plus le contraste entre la lumière et l'obscurité est important, plus votre image sera dramatique. Souvent, votre sujet dictera la lumière que vous choisirez.
La prochaine fois que vous photographiez, photographiez votre sujet sous une lumière douce et dure et notez la différence. Comment chaque approche affecte-t-elle le résultat final? De nombreux photographes ont tendance à se tourner vers l'un ou l'autre dans le cadre de leur style.
Éclairage latéral
C'est à ce moment que votre lumière vient directement à côté de la nourriture.
L'éclairage latéral est une bonne approche pour beaucoup de vos photographies culinaires. Il fonctionne pour la plupart des configurations et est facile à utiliser.
Placez un réflecteur ou une carte rebond sur le côté opposé à la lumière. En fonction de la quantité d'ombre que vous souhaitez sur le côté de votre nourriture, rapprochez-la ou éloignez-la, ou utilisez un réflecteur plus petit ou plus grand.
Lors de la prise de vue de scènes blanches et aérées, vous voulez toujours que certaines ombres ajoutent de la dimension.
Rétroéclairage
Le rétroéclairage consiste à positionner votre lumière derrière votre nourriture.
Si vous imaginez le cadran d’une horloge, il est à 12 heures. C'est une position idéale pour les boissons ou les soupes, car elle ajoute un éclat et met en valeur les propriétés liquides des aliments.
En général, le rétroéclairage est très flatteur pour les aliments. Il le fait briller et fait ressortir sa texture.
Cependant, il peut être difficile de travailler avec car cela peut rendre votre image trop lumineuse à l'arrière et trop sombre à l'avant. Trop de contraste signifie que le dos de la photo sera soufflé, avec une perte de détails flou dans le sujet principal. Un contraste insuffisant entraînera une photo éclatée ou une photo qui semble délavée, ce qui se produit lorsque vous photographiez avec trop de lumière.
Rétroéclairage latéral
Le rétroéclairage latéral est une combinaison des deux premiers types d'éclairage. C’est le meilleur des deux mondes et le plus simple à utiliser. Ici, notre lumière est placée entre 10 et 11 heures.
Avec ce style d'éclairage, vous obtenez la brillance de surface fournie par le rétroéclairage sans risque de surexposition. Vous n’avez pas non plus à réfléchir autant de lumière sur le devant de la nourriture, car la lumière arrive sous un angle plus.
Lorsque vous utilisez le rétroéclairage latéral, vous devrez jouer avec la hauteur de votre lumière par rapport à votre scène, en fonction de la façon dont vous voulez que les ombres tombent.
Plus votre source de lumière est proche de votre téléviseur, plus l'atténuation sera douce.
Angles de caméra
L'angle de la caméra peut avoir un effet puissant sur votre image finale.
Avant de prendre votre appareil photo, vous devez réfléchir au type d'aliment ou de plat que vous photographiez et à l'angle de prise de vue qui permettra de faire ressortir ses meilleures caractéristiques.
Il existe trois angles de caméra principaux utilisés pour photographier des aliments: au-dessus de la tête, 3/4 d'angle ou directement.
L'angle 3/4
L'angle 3/4 est lorsque votre appareil photo est placé entre 25 et 75 degrés par rapport à votre sujet.
L'angle 3/4 est un angle populaire car il est si polyvalent. Vous pouvez généralement montrer le devant et la surface du plat, ainsi que les côtés.
Vous voyez beaucoup cet angle dans la photographie culinaire commerciale.
L'angle au-dessus
L'angle au-dessus de la tête est l'angle de 90 degrés. C'est devenu un angle très populaire ces derniers temps en raison d'Instagram.
Cet angle a certainement plusieurs points positifs. C'est bien pour insérer plusieurs éléments dans une scène, comme dans un paysage de table. Cela en fait également un excellent angle de narration. Vous pouvez voir une variété d'accessoires, d'ingrédients ou de plats de nourriture dans le cadre lorsque vous photographiez au-dessus de votre tête. Il est également souvent plus facile de composer votre prise de vue en utilisant cet angle qu'un angle 3/4 ou en ligne droite.
Cependant, l’angle au-dessus de la tête ne fonctionne pas pour tous les types d’aliments. Il élimine la profondeur, ce qui donne une touche plus graphique à une image mais ne convient pas à tous les types d'aliments.
Avec l'angle au-dessus de la tête, ce que vous mettez le plus en valeur, c'est la forme de la nourriture et les divers éléments de la scène.
L'angle droit
Cet angle de prise de vue droit est le plus approprié pour les aliments «grands», comme les hamburgers ou les piles de brownies ou de crêpes. Il souligne la hauteur d'un plat.
Lorsque vous tirez des hamburgers et des sandwichs, le petit pain ou le morceau de pain supérieur cache ce qu'il y a à l'intérieur, donc prendre la photo de n'importe où au-dessus de la nourriture n'a pas de sens.
N'oubliez pas que l'objectif est toujours de se concentrer sur les meilleures caractéristiques de la nourriture.
Composition
Les outils de composition peuvent nous aider à faire de meilleures photographies, cependant, chaque outil ne fonctionnera pas pour chaque image.
Avant de commencer à photographier, connaissez le but de votre image. Quelle est l'ambiance? Que voulez-vous transmettre? Quel est le but de votre cliché et comment sera-t-il utilisé?
Une bonne photographie culinaire évoque les émotions du spectateur. La composition est l'un des principaux outils qui nous aident à y parvenir.
Ligne
La ligne est l'élément le plus élémentaire de la composition visuelle. Les lignes dirigent l'œil à travers une photographie vers les principaux points focaux et éléments et maintiennent l'œil du spectateur concentré sur l'image.
Il y a quelques points à prendre en compte lorsque vous travaillez avec des lignes. Lorsque vous utilisez des lignes pour diriger l’œil du spectateur, elles doivent pointer vers le sujet principal ou vers le cadre.
Les lignes ne doivent jamais pointer en dehors du cadre, car les yeux seront obligés de quitter l'image. Cela affaiblit l'image et peut entraîner une perte d'intérêt du spectateur.
Règle des chances
La règle des probabilités stipule que lors de la photographie d'un groupe d'objets, avoir un nombre impair d'éléments dans le cadre est beaucoup plus intéressant visuellement que d'avoir un nombre pair d'éléments.
Les nombres impairs créent un sentiment d'équilibre et d'harmonie et fournissent un point de repos pour nos yeux, tandis que des nombres pairs d'objets peuvent diviser notre attention et rivaliser les uns avec les autres.
Lorsqu'il y a plus de cinq éléments dans une image, il devient difficile pour l'esprit d'enregistrer le nombre le plus élevé. Pour cette raison, il est judicieux de composer de nombreux éléments dans groupes de nombres impairs chaque fois que possible.
Règle des tiers
La règle des tiers est destinée à vous aider à placer les éléments principaux et le point focal dans la composition.
Pensez à une grille imaginaire qui divise l'image en neuf parties égales, comme une grille tic-tac-toe. Le rapport est de 1: 1 par rectangle.
La règle des tiers est un excellent point de départ. Il contribue à ajouter de l'harmonie à vos images et vous aide à faire les premiers pas dans la composition en tant que nouveau photographe. En fait, cela peut fonctionner pour de nombreuses images, en particulier les paysages.
En ce qui concerne la photographie culinaire, cependant, cette règle peut être limitative. Vous pouvez finir par créer des images déséquilibrées et gênantes.
La grille Phi est un concept similaire qui est plus puissant que la règle des tiers. Les deux grilles se ressemblent presque, mais les lignes centrales de la grille Phi sont plus rapprochées.
La grille Phi
Grille Phi
Le Phi Grid est une expression de la Nombre d'or. Il vous aide à créer une image équilibrée et naturellement agréable.
La grille Phi suit le rapport de 1: 1,618, un rapport qui est une constante dans la nature et vers lequel nous gravitons automatiquement.
Il apparaît dans le monde naturel, de la coquille de nautile au nombre de pétales d'une fleur.
Vous pouvez trouver le nombre d'or partout dans le monde autour de nous, bien que personne ne puisse expliquer exactement pourquoi il existe de cette façon.
Vous pouvez utiliser ces connaissances dans votre photographie. Réfléchir à la façon dont l'œil se déplace à travers une image et incorporer une expression du nombre d'or vous aidera à créer des images que le cerveau reconnaîtra comme esthétiquement attrayantes et harmonieuses.
Espace négatif
L'espace positif est l'espace occupé par votre sujet principal. L'espace négatif est une zone où vos yeux peuvent se reposer. Il offre un équilibre, un peu de marge de manœuvre et met en valeur le sujet.
L'espace négatif peut représenter un mouvement et donner un contexte à une image. Cela peut également donner au spectateur l'idée qu'il y a une histoire au-delà de ce que l'œil voit.
Dans la photographie culinaire, il y a une tendance à prendre des photos avec beaucoup d'espace négatif en raison du placement du texte, en particulier lorsqu'il s'agit de travaux de magazines, d'emballage de produits ou de publicités.
Lorsqu'une image n'utilise pas d'espace négatif, elle peut sembler un peu claustrophobe et encombrée. De plus, lorsqu'il se passe trop de choses dans une image, le spectateur ne sait pas où chercher.
Répétition
Les éléments répétés ajoutent également de l'intérêt à une image. La répétition peut se produire spontanément chez le sujet ou peut être créée par des éléments ajoutés tels que des accessoires et des ingrédients de soutien.
Parfois, les motifs peuvent devenir monotones, alors briser un motif peut créer une photographie plus forte.
Il existe différentes manières de créer une rupture de motif, par exemple avec une rupture de couleur, de forme, de taille ou de texture. L'endroit où vous placez cette pause est crucial; vous souhaitez le placer dans l'un de vos points focaux ou le long de lignes qui se croisent.
Couleur
La couleur est une partie importante d'une composition. Il évoque des émotions et crée un sentiment d'humeur dans une image.
Les couleurs froides et sombres comme le bleu marine et le noir disparaissent, tandis que les couleurs claires ou chaudes comme le jaune font avancer les objets.
Des arrière-plans et des couleurs de surface trop clairs peuvent nuire à notre sujet; ils doivent être choisis en fonction de l'ambiance que vous souhaitez créer, ainsi qu'en harmonie avec les éléments que vous avez choisis.
Les combinaisons de couleurs peuvent être monochromes lorsqu'il s'agit de variations tonales dans une seule teinte. Cette approche a sa place, mais l'utilisation de couleurs complémentaires est une excellente technique à appliquer à la photographie culinaire.
Les couleurs complémentaires apparaissent directement l'une en face de l'autre sur la roue chromatique, comme le rouge et le vert, ou le bleu et l'orange.
La palette de couleurs avec laquelle vous choisissez de travailler sera en partie dictée par la nourriture que vous photographiez.
Vos couleurs doivent également être équilibrées en termes de ne pas avoir trop de couleurs dans un cadre, ce qui apparaîtra chaotique.
Texture
L'une des meilleures façons d'ajouter de l'intérêt à vos photos est la texture. Il ajoute du contraste et des détails et met en valeur les sujets culinaires.
La texture se produit naturellement dans les aliments, mais peut également être utilisée efficacement dans les arrière-plans et les surfaces, ainsi que dans vos accessoires et linge de maison, à condition qu'elle ne soit pas exagérée.
Beaucoup de texture dans la nourriture, le linge et les arrière-plans composés ensemble peuvent sembler trop occupés et submerger le spectateur.
Modifier vos images
Adobe Lightroom est un excellent programme de post-traitement. C'est plus intuitif et plus facile à apprendre que Photoshop.
Je recommande d'utiliser Lightroom pour effectuer vos ajustements globaux, puis pour affiner votre image dans Photoshop si nécessaire. Par exemple, si vous devez travailler sur des zones spécifiques de l'image.
Examinons les outils les plus importants:
L'histogramme
Il est important d'avoir une compréhension de base de l'histogramme pour effectuer les réglages appropriés de l'exposition et des tons de votre image.
Un histogramme cartographie la plage tonale d'une image. La luminosité est représentée graphiquement sur une échelle de gris. Chaque pixel de l'image est affecté à une valeur.
Le noir est à gauche, tandis que le blanc est à droite. Vous pouvez trouver les nuances de gris entre les deux.
La distribution des tons dans l'histogramme vous indiquera l'exposition globale de l'image.
Un grand pic dans l'une de ces régions signifie que l'image a beaucoup de pixels à cette densité particulière. Un espace ouvert dans l'histogramme signifie qu'il n'y a pas de pixels à cette densité.
Vérifiez si vous avez un pic important à l'extrémité noire ou blanche de l'histogramme. Si vous le faites, votre image pourrait être sous-exposée ou surexposée.
En règle générale, la plupart des images ont une meilleure apparence si elles contiennent à la fois des valeurs sombres et claires. Sinon, ils peuvent manquer de contraste et paraître plats.
Recadrage
Il est judicieux de recadrer et de redresser votre image avant de commencer à effectuer des ajustements globaux.
Pour redresser une image, commencez par Transformer panneau et cliquez sur -> Auto.
Si cela ne fonctionne pas, vous pouvez essayer l'un des autres paramètres ou le faire manuellement sous le Outil de recadrage.
Pour accéder à l'outil de recadrage dans Lightroom, cliquez sur le symbole de grille sous l'histogramme dans le panneau supérieur. Ou frappé R pour le raccourci clavier. Cela vous permettra de recadrer votre image en amenant les coins avec votre curseur.
Notez que lorsque le verrou est fermé sur le symbole de verrou, l'outil recadrera chaque côté de l'image de manière uniforme.
Si vous souhaitez un recadrage de forme libre, cliquez simplement dessus pour le déverrouiller.
Balance des blancs
La balance des blancs est un aspect très important du post-traitement de vos images culinaires.
Je recommande de photographier avec une carte grise et d'ajuster votre balance des blancs en post-traitement. Cela supprime les dominantes de couleurs incorrectes et garantit que vos blancs sont vraiment blancs.
Une carte grise est un morceau de plastique gris que vous pouvez acheter dans un magasin de matériel photo. C'est exactement 18% de gris, ce que recherche votre appareil photo lors de la mesure d'une scène.
Prenez une photo avec votre carte grise dans la scène. Dans Lightroom, prenez la pipette Balance des blancs et cliquez sur la carte grise. Il lira automatiquement la balance des blancs appropriée.
Le panneau de base
Ce panneau est l'endroit où vous pouvez finir par faire beaucoup d'ajustements avant de vous installer sur un look final.
Exposition affecte la luminosité de la gamme de tons de votre image, cependant, en jouant avec vos ombres et vos reflets, vos blancs et vos noirs vous donneront un équilibre plus précis des tons que de simplement compter sur le curseur Exposition.
Vérifiez si les zones lumineuses semblent boueuses ou si les ombres ont encore besoin de plus de lumière. Déplacez les curseurs vers les points où l'image est globalement bonne.
Vous devrez probablement revenir en arrière et réajuster votre curseur d'exposition une fois que vous avez effectué des modifications avec les autres curseurs.
Vibrance et saturation
Vibrance est également un curseur important dans l'édition de la photographie culinaire.
C’est un meilleur outil d’édition que Saturation parce que c'est plus subtil. Il ajuste les couleurs les moins saturées sans intensifier celles déjà saturées.
Vibrance augmentera d'abord la saturation des couleurs assourdies, puis des autres couleurs.
L’utilisation du curseur de saturation dépend de l’image. En général, une approche conservatrice est ce qui fonctionne le mieux lors de l'édition de photographies culinaires.
Si vous décidez d'utiliser ce curseur le curseur, déplacez-le un peu vers le haut, à environ +5 ou +6.
Courbe de ton
Les nouveaux utilisateurs trouvent souvent le Courbe de ton difficile, mais c'est l'un des outils les plus puissants de Lightroom.
La courbe des tons est un graphique qui cartographie les tons de vos images. L'axe inférieur de la courbe des tons commence par les ombres à l'extrême gauche. Il se termine par des faits saillants à l'extrême droite. Les tons moyens tombent au milieu, dans une gamme allant du plus sombre au plus clair. Ils deviennent plus sombres lorsque vous vous déplacez vers le bas et plus lumineux lorsque vous vous déplacez vers le haut de l'axe.
Vous pouvez contrôler la clarté et l'obscurité de vos tons. Ajuste le Courbe de points lui-même ou le Courbe de région.
La région a des curseurs pour chaque partie de la gamme tonale. Lorsque vous faites glisser chaque curseur, la courbe et l'image changent toutes deux.
Pour effectuer des ajustements avec la courbe de points, cliquez sur la zone que vous souhaitez affecter. Cela créera un point d'ancrage pour contrôler la tonalité.
Faire glisser le point vers le haut éclaircit ce ton; le faire glisser vers le bas l'assombrit.
Évaluez les demi-tons de votre image pour voir s'ils sont déjà clairs. Sinon, cliquez au milieu de la courbe des tons et faites remonter le point.
S'ils sont trop brillants, abaissez la courbe. Vérifiez les autres parties de votre image.
Si vous commencez tout juste à apprendre la courbe de tonalité, commencez par jouer avec les curseurs de région. Notez comment les différents curseurs affectent la courbe.
Quelle que soit l'approche que vous choisissez, assurez-vous de regarder l'histogramme lorsque vous apportez des modifications. De cette façon, vous vous assurerez de ne pas perdre de détails importants.
HSL
HSL signifie Teinte, Saturation, et Luminance. C'est là que vous équilibrez les couleurs dans Lightroom.
Les ajustements de couleur sont généralement plus subjectifs que les ajustements de tons. C'est parce que la couleur donne à une photographie un sentiment d'humeur.
Il existe deux façons de régler les couleurs dans ce panneau. Vous pouvez tous les ajuster en même temps sous HSL / Tout. Ou chaque couleur individuellement sous le Couleur onglet en haut du panneau.
le Teinte L'onglet ou la section en haut du panneau vous permet de choisir la chaleur ou la fraîcheur que vous souhaitez que chaque couleur de votre image soit.
Par exemple, je trouve que les verts regardent presque toujours. Je fais glisser les verts un peu plus vers la gauche ou la droite pour les rendre plus réalistes.
Pour ajouter plus de chaleur - c'est-à-dire plus de jaune - à vos verts, faites-le glisser vers la gauche. Pour une teinte plus froide, le faire glisser vers la droite ajoute plus de bleu.
le Saturation le curseur dans le panneau de base ajuste la couleur de l'image entière. Mais les curseurs de saturation ajustent ici chaque couleur individuellement.
Si vous ajustez une couleur pour qu'elle soit plus saturée, cela affectera la saturation de cette couleur particulière sur toute la photo.
Que vous travailliez dans le panneau de base ou dans le panneau HSL, la saturation nécessite une main légère.
Dernièrement, Luminance affecte la luminosité de la couleur. Ces curseurs ont plus de valeur que les curseurs de saturation, travaillez donc avec ces derniers en premier.
Le montage dans Lightroom est une question d'équilibre. Il en va de même lorsque vous travaillez avec les réglages de teinte, de saturation et de luminance.
Affûtage
La netteté devrait être la dernière étape d'édition. Il ajoute du contraste entre les pixels et les bords, ce qui crée une définition et un aspect plus raffiné.
Cependant, vous n’avez pas besoin d’appliquer la netteté à toute l’image car, dans la photographie culinaire, il n’est pas vraiment utile d’accentuer les accessoires et l’arrière-plan.
L'accent est mis sur la nourriture, c'est donc ce que vous aiguisez.
Pour ce faire dans Lightroom, masquez l'image pour sélectionner les zones de l'image que vous souhaitez accentuer. Maintenez le Alt / Option touche en cliquant sur Masquage dans le Affûtage panneau.
Lightroom vous montrera où la netteté est appliquée en blanc. Votre image ressemblera à une radiographie.
Faites-le glisser vers la droite. Plus vous allez à droite, moins l'image sera nette.
Vous constaterez que vous serez dans la gamme + 70-80 pour la netteté pour la photographie culinaire.
En conclusion
Il y a beaucoup à apprendre en ce qui concerne la prise de vue de la nourriture, mais j'espère que ce guide vous a donné un aperçu de ce qui est impliqué et quelques idées sur la façon dont vous pouvez améliorer vos images.
Plus vous avez d'informations, plus vous pouvez être autonome dans vos décisions créatives.
Surtout, beaucoup de pratique est ce qui va vous amener au niveau suivant dans votre photographie culinaire.