Plus tôt dans l'année, en surfant sur une liste de photographes sur Google Plus, je suis tombé sur une photo qui a attiré mon attention. Une jeune fille aux joues roses, aux grands yeux écarquillés et au regard sérieux sur son visage se tenait contre un mur recouvert de papier peint vert vêtue d'une veste rouge vif tout en tenant un bol de cerises.
L'image était frappante à plusieurs niveaux - le sujet, la couleur, la pose, le style de l'image et ce qu'elle évoquait sur le plan émotionnel m'ont tous fait regarder deux fois.
Le photographe était Bill Gekas et un rapide coup d'œil sur le reste de son travail a révélé de belles images avec un style distinct et une attention aux détails.
Aujourd'hui, je suis ravi de présenter une interview de Bill Gekas ainsi que certaines de ses belles images. Bill vit à Melbourne en Australie. Découvrez plus de son travail sur son site Web et son blog. Connectez-vous avec lui sur Twitter et Google+.
Bill - pouvez-vous nous parler un peu de votre passage du cinéma à la photographie numérique? Quand et pourquoi avez-vous fait le changement?
Ma transition du film au numérique a eu lieu en 2005. Jusque-là, je photographiais principalement des couleurs 35 mm positives et négatives et je faisais mes propres impressions de développement et de chambre noire à partir de films négatifs 35 mm noir et blanc. Aussi bons que pouvaient être les processus traditionnels à l'époque, le passage à la capture numérique et au post-traitement vient d'ouvrir un tout nouveau monde qui simplifia considérablement le processus.
Quel impact ce changement a-t-il eu sur votre travail?
Cela a eu l’impact le plus positif sur mon travail où j’ai découvert que je pouvais enfin créer les images dans mon esprit sans dépenser le temps et l’argent en utilisant des processus traditionnels! La capture numérique a simplifié le flux de travail au point que les outils et le flux de travail faisaient désormais partie intégrante du processus de création et ne gênaient pas, c'était vraiment libérateur dans ce sens et c'était très bien accueilli!
Le portrait a-t-il toujours été au centre de votre photographie? Sinon, pourquoi semblez-vous vous concentrer autant aujourd'hui?
Le portrait est devenu mon genre principal à peu près à la même époque en 2005. Jusque-là, je photographiais vraiment un peu de tout, mais après avoir découvert des portraits étonnants des grands photographes du passé, j'ai réalisé que les sujets de ces photographies bien connues étaient complets. des inconnus s'étaient connectés à moi, les portraits étaient étranges, presque surréalistes et c'est à ce moment-là que j'ai su que ce serait du portrait, du portrait avec une esthétique artistique et un flair créatif où je pourrais fusionner des références historiques que ce soit la lumière, les accessoires ou l'atmosphère avec un expression contemporaine plus moderne du sujet.
Votre travail le plus récent a un style très distinct. J'hésite à qualifier un autre travail de photographes mais comment le décrivez-vous?
Ce style est généralement défini comme un portrait d'art et vous constaterez qu'il manque les expressions souriantes les plus franches, les plus hautes et les plus habituelles des sujets du portrait moderne qui sont en vogue en ce moment par de nombreux studios de portrait. Il s'agit d'un style de portrait plus émotif et créatif qu'un certain type de public trouve attrayant.
Pouvez-vous nous parler un peu de ce qui vous a attiré vers ce style de photographie?
La nature émotive, atmosphérique, presque surréaliste de celui-ci! C’est le type d’expression que votre sujet vous donnera et restera en quelque sorte avec vous longtemps après que vous ayez vu l’image. Je crois que le portrait peut atteindre un niveau où nous ne voyons plus l’image mais la ressentons réellement, et cela dépend essentiellement de la force du lien entre le sujet et le photographe / spectateur.
Votre travail me paraît assez méticuleusement planifié. Combien de travail faut-il à la préparation de votre photographie? D'où viennent les idées et par quelles étapes vous trouvez-vous pour que l'idée se concrétise?
Avec ce type de photographie d'installation, je prends généralement la photo avant d'exécuter la photo! Cela signifie que la photo a déjà été prise dans mon esprit, généralement des jours auparavant, et que ce n’est qu’une question de préparation. Cette méthode me permet d'avoir tous les aspects du tournage et du post-traitement au point où le temps de recherche et de préparation peut être 90% du temps qui y est consacré et le reste 10% du temps réel est dans le tournage lui-même. .
La clé pour exécuter un tournage comme celui-ci est d'avoir tout planifié avant que le sujet n'entre dans la scène, l'éclairage, les accessoires, la composition, etc. De la pensée au plan post-traité terminé prêt à être affiché, un plan typique peut durer en moyenne 8 heures.
Beaucoup d'idées viennent de mon appréciation des œuvres des anciens maîtres peintres. Caravaggio, Vermeer, Rembrandt, Raphael, Velazquez etc. Mais je trouve aussi que je m'inspire beaucoup de regarder des films étrangers où les scènes cinématographiques jouent un rôle de premier plan. La fusion de ces mondes permet de créer un portrait atmosphérique.
Bien sûr, tout film de Jean-Pierre Jeunet suscite également l'inspiration pour créer, et je garde toujours un cahier avec des croquis et des idées de ma part.
Quel appareil photo et quel équipement d'éclairage utilisez-vous pour une prise de vue typique?
Actuellement, je photographie avec un appareil photo reflex numérique Pentax K5 et un assortiment d'objectifs Pentax Prime et un zoom 16-45 / 4. Aucune raison particulière d'utiliser cette marque autre que d'avoir de vieux objectifs du passé que je peux encore utiliser sur leurs derniers boîtiers reflex numériques.
Mon sac photo est en fait assez modeste par rapport à mon sac d'éclairage. L'éclairage est la clé de beaucoup de mes œuvres et je possède de nombreux flashes, un stroboscope de studio Einstein, des modificateurs de lumière, des réflecteurs, des déclencheurs RF, etc. deuxième flash avec un gridspot attaché pointant vers l'arrière-plan pour l'éclairer et un réflecteur blanc sur le côté opposé du sujet pour remplir certaines zones d'ombre.
Dans une prise de vue en extérieur, je n'utiliserai généralement qu'une seule lumière modifiée par un modificateur de type circulaire qui est une octabox ou un parapluie de taille moyenne. J'essaie de m'en sortir en utilisant des flashes en raison de leur polyvalence et je n'utiliserai vraiment le flash Einstein que si j'ai besoin de maîtriser le soleil de midi.
Pourriez-vous partager avec nous une image que vous avez prise récemment et nous parler de l'idée et de la façon dont vous l'avez prise?
Foulard rouge (ci-dessus) - Cette photo a été prise récemment dans un environnement extérieur pas trop loin de chez moi. En fait, c'est une petite piste cyclable en gravier qui longe un ruisseau. L'idée de ce tournage est venue d'une scène de type similaire que j'ai vue peu de temps auparavant dans un film, c'était différent bien sûr, mais étant à la fin de l'automne au début de l'hiver ici dans l'hémisphère sud, je voulais décrire la saison et cela allait être réalisé en utilisant l'arrière-plan et la sélection du costume.
La veste grise et le béret devaient se connecter avec un élément de la scène étant le chemin de gravier, le feuillage aux couleurs chaudes devait dépeindre la saison et l'élément le plus important de la scène est l'écharpe rouge qui attire nos yeux sur le point d'intérêt qui est le sujet. Parfois, il est important d’utiliser des couleurs vives pour dessiner et ancrer nos yeux sur le point d’intérêt principal, à condition bien sûr que cela fonctionne dans la scène et complète les autres tons sans paraître déplacé.
Techniquement, il s'agit d'un simple cliché à f4.0, 1 / 60s en milieu d'après-midi à l'ombre complète. La longueur focale était de 28 mm aps-c, soit environ 42 mm sur un capteur plein format. La lumière n'était qu'un seul flash à 1/4 de puissance tiré à travers une caméra blanche à travers une caméra parapluie à droite.
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