Noter: Bienvenue dans notre guide ultime de la photographie d'art. C'est l'un des didacticiels les plus complets que nous ayons jamais créés. En plus de l'article que vous pouvez lire ci-dessous, nous avons une version téléchargeable à imprimer et / ou à consulter plus tard. Indiquez votre adresse e-mail ci-dessous et nous vous en enverrons une copie.
Oser être différent
L'un des sujets litigieux dans le monde de la photographie de nos jours semble être ce qu'est exactement la photographie d'art. En fin de compte, c'est ce que le photographe considère que c'est, mais dans le monde de l'art, il y a beaucoup plus à faire. Si vous voulez être reconnu en tant qu'artiste qui utilise le médium de la photographie, il y a certaines attentes quant à ce que devrait être votre travail et comment vous allez l'exécuter.
Les galeries et les collectionneurs ne collectionneront pas d’œuvres ou n’investiront pas dans l’art s’il n’y a pas beaucoup de cohérence au sein de ce corpus. Une seule image d'art n'est pas suffisante pour faire de vous un photographe d'art. Le travail doit être fait avec intention, avec une direction, et avoir une cohérence sur toutes les images. Un style est développé qui est reconnaissable dans toutes les images.
Il est important de regarder d'autres artistes célèbres, pas seulement des photographes, mais des peintres et des sculptures, pour voir comment leur travail a évolué. Voyez comment vous pouvez faire quelque chose de similaire avec votre photographie. La photographie n'est pas différente de ces autres médiums et les mêmes définitions qui leur sont applicables s'appliquent également à la photographie d'art.
Qui peut être photographe d'art?
Une longue exposition qui a été prise pendant la journée, mais la lumière de l'image a été manipulée pour donner l'impression qu'elle a été prise à une heure différente.
N'importe qui peut être photographe d'art; il n'y a pas de règles strictes à ce sujet. Bien que cela demande une bonne dose de dévouement. Il n'y a pas de règles ou de qualifications spéciales qu'une personne doit suivre ou avoir avant de se qualifier de photographe d'art.
Certaines des choses qui aident à définir un photographe d'art
Peut-être que la meilleure façon de décrire comment vous pouvez être un photographe d'art est de regarder comment ils travaillent. Il y a bien plus que la simple création de belles images. Nous pouvons tous faire cela, mais un artiste travaille vers quelque chose. Leur travail est fait avec intention et ils ont une direction à suivre. Enfin, il y a une cohérence dans leur travail. Examinons chacun de ces points individuellement.
Intention
Souvent, lorsque vous sortez pour prendre des photos, vous choisissez un endroit parce que vous pensez que vous pourriez obtenir de belles images à cet endroit. Cela ne vous posera probablement jamais de problème. Mais si vous voulez être davantage considéré comme un photographe d'art, vous devez vous rendre dans des endroits dont vous savez qu'ils vous aideront à créer des images qui feront avancer votre travail et à construire votre portfolio. Il doit y avoir une intention derrière la raison pour laquelle vous photographiez des choses.
Le paysage urbain qui a quelques différences, mais il est assez efficace et si je manquais d'images pour une exposition, celle-ci serait incluse.
Par exemple, un photographe de portrait d'art qui fait des images de personnes dans certaines scènes, comme des scènes de plage sombres et maussades, n'ira pas prendre des photos d'un bébé dans un parc. Eh bien, ils pourraient pour un ami, mais ils n'incluraient pas ce travail dans leur portefeuille.
Les artistes essaient toujours de prendre des photos qui fonctionnent avec ce qu'ils ont déjà. Ils sortent avec l'intention de photographier des sujets qui suivent le sens de leur travail.
Direction
Cela ressemble beaucoup à une intention, mais cela signifie que le photographe a une direction. S'ils prennent des photos quelque part, ils sont dirigés par leur travail précédent. Cela les aide à obtenir des images qui continueront à suivre ce style.
Avant le traitement.
Après traitement pour lui donner mon style de signature.
Cohérence
Pour les mêmes raisons que l'intention, ce même photographe de portrait ne va pas photographier un bébé car cela ne donnera aucune cohérence à son flux de travail. Pour un photographe d'art, vous devez avoir un travail assez cohérent et qui donne l'impression que tout va ensemble.
Cela ne veut pas dire qu'il doit s'agir du même sujet tout le temps, il peut également s'agir d'un style de traitement similaire. Toutes les images sont traitées de la même manière afin qu'elles paraissent cohérentes lorsqu'une galerie ou un investisseur regarde le portefeuille.
Plus vous êtes cohérent, plus les galeries et les investisseurs seront intéressés par votre travail.
La cohérence est importante et il est important de s'assurer que les images ont toutes la même sensation et le même aspect pour créer un ensemble de travaux.
C'est certainement le cas. J'ai demandé à la conservatrice de la Stills Gallery de Sydney, Josephine Skinner, à quel point il est important qu'il y ait une cohérence dans un corps de travail. Voici ce qu'elle avait à dire:
C'est très important. Si un artiste nous contactait, j'espérerais voir un corpus résolu d'œuvres, à la fois conceptuellement et matériellement. Bien sûr, nous sommes habitués à travailler avec des artistes qui développent de nouvelles œuvres pour une exposition, mais une soumission froide ne piquera pas mon intérêt à moins que vous établissiez votre capacité à livrer.
Qu'est-ce qu'une œuvre et comment la créez-vous?
Un corps de travail est où vous avez plusieurs pièces qui montrent la cohérence et l'intention dont on a parlé plus tôt. Lorsque vous avez une œuvre, elle doit avoir un style similaire et donner l'impression qu'une seule personne a tout créé.
Le sujet doit être identique ou très similaire. Il doit y avoir un certain nombre d'images dans le corps de l'œuvre pour que vous puissiez avoir une exposition. Le montant réel dépendra de l'endroit où vous exposez et du nombre requis.
Ceci est une sélection de mon travail, remarquez le style de traitement, le sujet et l'ambiance similaires sur toutes les images.
Déclaration de l'artiste
Que vous vouliez le croire ou non, une déclaration d'artiste est très importante. Il n’est pas nécessaire que ce soit un essai, mais mettre sur papier ce que vous essayez de réaliser avec votre photographie est un excellent moyen d’aider dans les domaines dont nous venons de parler; intention, direction et cohérence.
Lorsque vous en écrivez un, vous voulez être clair sur les raisons pour lesquelles vous faites ce que vous faites. Qu'est-ce qui est important et pourquoi avez-vous choisi le médium de la photographie?
Voici ce que Joséphine avait à dire sur les déclarations des artistes:
Une déclaration d'artiste est utile: soyez bref, clair et utilisez un langage accessible.
Certaines déclarations peuvent aller de travers et n'ont pas beaucoup de sens. Il est bon d'avoir l'air professionnel, mais il doit être concis et laisser le public de votre travail avec une compréhension très claire de ce que vous essayez d'accomplir.
Cette image a été prise avec l'intention de pouvoir changer l'ambiance et la rendre différente.
L'image finale. De nombreux aspects ont été modifiés pour que cette image ait l'air d'avoir été prise de nuit avec une seule lumière brillante.
Regardez quelques photographes d'art qui pratiquent maintenant
Vous a-t-on déjà dit que si vous voulez être un bon écrivain, vous devriez étudier et lire l'écriture de ceux qui sont dans le même domaine? La même chose peut être dite pour les beaux-arts.
Si vous voulez être un artiste, vous devriez étudier et regarder le travail d'autres grands artistes, dans ce cas, des photographes d'art. Cependant, vous devez inclure un large éventail d'artistes, car les photographes peuvent également apprendre beaucoup des peintres, des dessinateurs, des graveurs et des sculpteurs.
Cette image des 12 apôtres n’appartient pas vraiment à la plupart des travaux, mais elle a toujours la même chose. La lumière a été manipulée, donc elle appartient presque. Mais, le sujet différent signifierait qu'il ne serait probablement pas inclus dans une exposition.
Vous devez vraiment regarder en quoi consiste votre travail et trouver des photographes similaires. Il y a un si grand nombre de photographes qui travaillent en ce moment, qu’il m’est difficile de vous dire qui étudier. Mais voici une liste de quelques photographes d'art pour vous donner un point de départ.
- Julia Anna Gospordarou
- Bill Henson
- Tracey Moffat
- Cindy Sherman
- Brook Shaden - déclaration d'artiste et galerie de travail.
- Andreas Gursky
- Joël Grimes
- Art Wolfe
- Annie Leibovitz
Qu'est-ce qu'un CV d'artiste?
Une image de paysage urbain avant le traitement.
L'image finale montrant comment la lumière a été modifiée pour créer ce look.
Ceci est très similaire à un CV de travail (curriculum vitae) ou à un curriculum vitae. Mais au lieu de lister tous les emplois que vous avez occupés, vous listez tout ce que les galeries et autres personnes du monde de l'art pourraient vouloir savoir sur vous.
Ils commencent généralement par vos études, où vous avez étudié et quand. Ensuite, vous énumérez les expositions personnelles que vous avez eues si vous en avez eu. Le but est de finir avec une liste massive de ceux-ci. Ensuite, vous suivez ceux avec les expositions collectives dans lesquelles vous avez été impliqué. Ensuite, vous pouvez ajouter les prix que vous avez gagnés.
Enfin, vient une liste des endroits où votre travail a été publié. Par exemple, si vous avez publié des travaux dans un magazine. Vous pouvez également inclure des collections et dans cette section, vous mentionnerez si vous avez vendu des œuvres à des endroits importants comme une grande galerie publique, par exemple.
Une autre image qui a le même aspect et le même traitement, mais qui n’a pas sa place. Il appartient cependant plus qu'à l'image des 12 apôtres.
Chaque fois que vous vous approchez d’une galerie, il vous sera demandé votre CV d’artiste. Si vous n'en avez pas, il est temps de commencer à y travailler. Ils font généralement une page.
Voici un lien vers mon CV à titre d'exemple.
Avez-vous besoin d'étudier les beaux-arts à un niveau tertiaire?
La réponse simple à cette question est non, vous n’avez pas besoin d’étudier au niveau tertiaire pour devenir photographe d’art. Mais la réponse longue est que si vous le faites, vous acquerrez une meilleure compréhension des nombreux aspects d'être un artiste. Les très bons endroits vous donnent également un espace de studio et imposent le besoin de travailler dans cet espace comme le ferait un artiste professionnel.
Une autre des centrales électriques, qui pourrait fonctionner, mais ne serait pas incluse dans une exposition.
Il y a tellement d'autres choses que vous apprenez aussi, par exemple comment développer votre style ou votre travail. Ou comment créer la cohérence dont nous avons parlé plus tôt. Vous commencez à comprendre comment fonctionne le système de galerie et comment les aborder. Souvent, vous avez la possibilité d'exposer votre travail afin de vous faire une idée de ce à quoi il ressemble. Celles-ci peuvent vous aider à démarrer le CV de votre artiste.
Les conférenciers sont généralement eux-mêmes des artistes, ils peuvent donc vous guider et vous encadrer. Ils comprennent ce que vous vivez et leurs conseils peuvent être inestimables.
Obtenir un baccalauréat en beaux-arts n'est jamais une mauvaise chose. De nombreux autres artistes et galeries vous prendront plus au sérieux car vous avez montré un engagement envers votre pratique.
Celui-ci est un peu différent, mais il correspond toujours à la déclaration de l'artiste.
Où l'étudier si vous le souhaitez
Il y a des endroits partout dans le monde et l'endroit où vous étudiez dépendra de l'endroit où vous vivez, du coût et de votre acceptation. Regardez d'autres artistes et voyez où ils ont étudié. Faites vos recherches pour savoir ce qui est disponible près de chez vous. Découvrez combien de diplômés de cette institution ont eu une carrière réussie à la fin.
Toutes les écoles d'art ne sont pas égales. Certains ont une très bonne réputation, tandis que d'autres vous obtiendront le diplôme, mais pas forcément le prestige. Par exemple, à Melbourne, vous pouvez obtenir un diplôme en beaux-arts dans de nombreux endroits, mais deux sont plus recherchés, l'Université de Melbourne, la Faculté VCA et l'Université RMIT. Les gens font plus attention si vous avez fréquenté et obtenu votre diplôme dans ces écoles.
Cette image semble fonctionner, mais comme le reste des images est davantage des paysages urbains et non des gros plans de quoi que ce soit, elle ne serait pas incluse. Si des images plus similaires étaient faites, je devrai peut-être reconsidérer cette décision.
Gardez à l'esprit que ce type de diplôme ne mènera pas à un emploi rémunéré et que vous êtes formé pour être un artiste. On s'attend à ce que vous y travailliez à plein temps lorsque vous aurez terminé. Bien sûr, la plupart des artistes finissent par faire d'autres travaux pour compléter leurs revenus jusqu'à ce qu'ils gagnent suffisamment de leur art. Bien que cela ne semble se produire que pour quelques-uns. Presque tous enseignent ou ont d'autres emplois pour payer les factures.
Une fois, j'ai eu un conférencier qui nous a dit que si nous faisions toujours de l'art et exposions notre travail 10 ans après l'obtention de notre diplôme, nous gagnerions de l'argent. Je ne sais pas si c'est vrai, mais c'est un bon sentiment.
Visitez les galeries et voyez ce que les autres exposent
Cette photo a été prise près d’une marina, mais elle est trop différente et je ne pouvais pas la faire ressembler aux autres images, donc elle ne serait jamais incluse dans une exposition.
Pour bien comprendre ce que la photographie d'art est l'une des meilleures choses à faire, c'est de visiter des galeries d'art, publiques et commerciales. Vous pouvez voir comment l'artiste travaille, regarder la cohérence et aussi à quoi ressemble l'œuvre lorsqu'elle est montée dans une exposition.
Recherchez des galeries commerciales qui exposent des œuvres photographiques, ou mieux encore, trouvez celles qui se spécialisent dans la photographie d'art. Si vous ne pouvez pas leur rendre visite en personne, regardez sur Internet. Ils ont tous des sites Web et montrent généralement les œuvres des artistes qu'ils représentent.
Étudiez l'œuvre et l'artiste. Si vous en trouvez dont vous aimez vraiment le travail, accordez-leur beaucoup plus d'attention. Découvrez ce qui motive l'artiste, regardez son CV d'artiste et voyez si vous pouvez trouver une déclaration d'artiste. Cela vous aidera vraiment à comprendre leur intention, leur direction et leur cohérence.
Les galeries publiques ont souvent une partie de leur collection en ligne, mais vous devez généralement aller la chercher. Ne soyez pas déçu si la section photographie est très petite, les autres œuvres d'art ont souvent plus d'espace mural. Vous pouvez rechercher des galeries spécialisées dans la photographie, par exemple à Victoria, en Australie, il y a un endroit appelé Centre for Contemporary Photography et c'est tout ce qu'elles montrent. C’est un excellent moyen de voir ce que font les autres photographes.
Comme l'image de l'océan, elle a le même aspect et la même sensation, mais le sujet ne correspond pas.
En voici quelques autres:
- Centre international de la photographie à New York
- A Gallery for Fine Photography à La Nouvelle-Orléans - ils présentent des impressions de nombreux photographes célèbres et emblématiques, notamment Ansel Adams, Julia Margaret Cameron, Henri Cartier-Bresson, W.Eugene Smith, Edward Steichen, Elliott Erwitt et bien d'autres.
- Centre de photographie créative à Tucson, Arizona. Ils abritent une grande collection d'archives photographiques, y compris de nombreux négatifs originaux d'Ansel Adams.
- Maison Européenne de la Photographie à Paris entièrement dédiée à la photographie.
- Galerie de la torche à Amsterdam
- Galleria Carla Sozzani à Milan
- Magnum Photos and Gallery - ils représentent le travail de plusieurs photographes emblématiques et ont une galerie à Paris, ainsi que des événements dans de nombreuses villes du monde entier et une excellente galerie en ligne à visionner.
- La Photographers ’Gallery à Londres, en Angleterre.
- Travail de caméra à Berlin.
Étudiez tout l'art, son histoire et ce qui se passe maintenant
Être un artiste, c'est se tenir au courant. Comme indiqué précédemment, vous devriez aller dans des galeries et voir d'autres expositions. Il est si important de lire et d'étudier d'autres artistes. Cela peut vous aider à comprendre à quoi ressemblait leur vie et ce qui les a poussés à créer leur art.
Il est également bon de se tenir au courant de ce qui se passe dans le monde de l'art. Qui remporte des prix, quel travail est vraiment populaire en ce moment et comment vous pourriez vous intégrer. Regardez qui est exposé et quelles galeries présentent leur travail.
Regardez des peintres, des sculptures et d'autres médiums
Ne limitez pas votre étude de la photographie aux seuls photographes. Vous devriez également regarder les peintres, les sculptures, les graveurs et les dessinateurs. Vous pouvez également en apprendre beaucoup.
L'éclairage Rembrandt est un type de motif d'éclairage que les photographes de portrait s'efforcent de créer. Il s'agit d'une tache de lumière triangulaire sur la joue du sujet du portrait. Les photographes essaient de reproduire ce style depuis des années, mais il est venu d'un peintre - Rembrandt.
L'image est similaire, mais elle ne serait probablement pas incluse dans une exposition. Cela ne correspond pas tout à fait.
À certains égards, les peintres étaient nos premiers photographes alors qu'ils essayaient de peindre ce qu'ils voyaient. Il est très important d'examiner leur travail. Vous pouvez en apprendre beaucoup sur le sujet et, plus important encore, sur la composition. Pour ces artistes, la composition était la clé et ils auraient passé beaucoup de temps à travailler sur cet élément de leur métier. Étudiez comment ils assemblent leurs peintures et apprenez.
Les sculpteurs créent des compositions et travaillent souvent de manière conceptuelle. Si vous êtes intéressé par la photographie conceptuelle, regarder comment ces artistes travaillent peut vous aider à trouver une direction. Voyez jusqu'où ils vont dans la création de leurs sculptures.
Vivre la vie d'un artiste et ce que cela signifie
Il existe un mythe selon lequel de nombreux créatifs étaient des «artistes souffrants». Pour être un artiste, il fallait être dans une sorte de lutte. L'autre mythe est d'être «l'artiste affamé», donc si vous voulez être un artiste, vous devez également être très pauvre.
Une image qui ferait partie du corpus de travail. Il suit le thème du reste des images.
Le premier est un mythe, vous n’avez pas besoin d’être dans une lutte interne pour être artiste. Il a été dit que vous devez traverser des catastrophes dans votre propre vie pour vous aider à créer des chefs-d'œuvre. Ce n’est pas vrai, bien sûr. Des gens très normaux créent les œuvres les plus étonnantes. Il y a bien plus que des souffrances émotionnelles.
Dans le passé, de nombreux artistes mouraient de faim. Même dans le monde d’aujourd’hui, gagner de l’argent en tant qu’artiste est extrêmement difficile. Il y a plus de gens qui veulent être des artistes que de gens qui veulent acheter l'œuvre. La référence à la faim était davantage liée au fait de ne pas gagner d'argent et de ne pas avoir assez pour acheter de la nourriture.
La réalité est que la plupart des artistes vivent une vie très normale. Ils travaillent souvent à temps partiel pour survivre et vivre dans des maisons ordinaires. Ce sont souvent des gens très normaux. Il y a des artistes excentriques, mais ils sont plutôt l'exception à la règle. Beaucoup ont des studios et des espaces de travail, et à chaque instant de liberté qu'ils obtiennent, ils travaillent dans leur pratique artistique.
Un paysage urbain qui fonctionnerait dans une exposition, il a le même sentiment que les autres.
Exposez votre travail
Il existe différents types de galeries et si vous souhaitez exposer votre travail, vous devez commencer à les étudier. Découvrez lesquels sont les meilleurs pour vous d'aborder parmi les différents types (grands publics et privés).
Tout d'abord, vous devez savoir ce que recherchent les galeries. Encore une fois, Joséphine a quelques conseils pour ceux qui souhaitent aborder les galeries:
Le premier conseil que j'aurais est de faire des recherches appropriées sur les galeries que vous approchez et d'être sélectif avec celles que vous faites. Nous recevons des soumissions de peintres, par exemple, qui n’ont même pas consulté notre site Web pour découvrir que nous exposons des photos et des vidéos.Dans le processus de le réduire, gardez à l'esprit que si une galerie met l'accent sur la photomédia, cela ne signifie pas que toutes les formes de photographie s'adapteront à leur esthétique et à leur objectif plus larges. Sachez également que chaque artiste apporte quelque chose d'unique à une galerie, donc la diversité est souhaitée - ils ne voudront probablement pas de quelqu'un dont la pratique reflète un artiste représenté existant. Enfin, chaque galerie a une politique différente pour la réception des soumissions, donc une bonne idée est d'appeler et de demander ce qu'elle préfère. Ne vous présentez pas et ne vous attendez pas à vous asseoir avec le directeur!
Un paysage urbain pris depuis une terrasse d'observation. Bien qu'il s'agisse d'un paysage urbain, il ne serait pas non plus inclus. Il n'a vraiment pas le même regard sur les autres.
C'est un excellent conseil et une bonne idée pour tous les artistes. Faites vos recherches et étudiez les galeries qui vous intéressent pour voir si elles vous conviennent. Vous pouvez également poser des questions pour voir ce qu'ils ont à dire. Ils seront souvent plus qu'heureux de vous parler du type de travail qu'ils recherchent et de la manière de soumettre votre travail.
Joséphine a fourni quelques informations sur la façon dont ils trouvent de nouveaux artistes:
Notre objectif est la photomédia et la vidéo contemporaines, nous avons donc tendance à regarder les prix d'art qui sont souvent interdisciplinaires, comme l'exposition Hatched Graduate au PICA, et à garder un œil sur ce qui se passe dans les espaces ARI (Artist Run Initiatives). Ces plateformes fournissent un premier filtre car l'œuvre a déjà fait l'objet d'un processus de sélection compétitive. Les galeries à l'esthétique plus traditionnelle ou commerciale chercheraient probablement ailleurs.
La plupart des galeries auront des informations et des directives sur la manière d'envoyer des propositions d'expositions; vous devez les suivre de près. Ils reçoivent beaucoup de soumissions et si vous ne faites pas ce qu’ils demandent, vous pourriez être éliminé immédiatement. Faites tout ce que vous pouvez pour les amener à regarder vos œuvres.
Préparer votre travail pour exposer
Le sujet correspond à une grande partie de l'objet de l'œuvre d'art, mais ce n'est pas la bonne couleur et envoie un message différent des autres.
Avoir une exposition de leur travail est le but ultime de la plupart des artistes. C'est là qu'ils développent un nom et une réputation. Si vous voulez cela aussi, vous devez vous assurer que votre travail est assez bon pour être montré.
Il y a tellement de décisions à prendre avant de faire un spectacle. Vous devez décider qui imprimera votre travail et comment il sera imprimé. Une partie de la raison pour laquelle vous exposez est de vendre votre travail et si elle ne semble pas bien, les gens ne l'achèteront pas.
Avant d’envoyer le travail à l’impression, vous devez vous assurer qu’il n’y a pas de défauts dans les images. Lorsqu'ils explosent, les points de détection ou d'autres éléments indésirables dans vos scènes seront également agrandis. Ils pourraient finir par se démarquer au point de reprendre l'image. Agrandissez l'image sur votre ordinateur (vue à 100% ou taille 1: 1) et recherchez de très près toute erreur ou défaut.
Travaillez dans une exposition.
Œuvre emballée et prête à être envoyée à une exposition.
Trouvez une imprimante professionnelle qui travaillera avec vous. Recherchez-en un sur lequel vous pouvez compter et qui connaît son entreprise. Ils devraient pouvoir vous aider à trouver la meilleure façon de présenter votre travail. Il y a tellement d'options pour les photographies de nos jours. Vous pouvez faire des impressions sur toile, mettre des images sur du papier beaux-arts et même les avoir sur du métal, ce qui est très populaire en ce moment.
Ensuite, vous êtes confronté à la possibilité d'encadrer ou non. La plupart des galeries répondront à cette question pour vous.
Lisez mon article: Comment préparer une exposition photographique de votre travail pour en savoir plus sur ce sujet.
Edition de votre travail
Ce n'est pas obligatoire, mais une chose que de nombreux photographes font est l'édition de leur travail. Cela signifie qu'ils ne vendront qu'un certain nombre de cette image ou une édition limitée. L'artiste fixe l'édition à ce qu'il pense pouvoir vendre.
Un paysage urbain qui ressemble beaucoup à beaucoup de moi, mais je n’inclurais pas cette image car elle n’a pas l’impact que beaucoup d’autres font.
Pour de nombreux artistes débutants, le nombre d'éditions est généralement faible, autour de 10 ou 20. Plus un artiste réussit, plus les images sont chères et souvent le numéro d'édition augmente à mesure que. Certains feront des éditions de jusqu'à 200 photos.
Pour la plupart d’entre nous, en particulier pour les débutants, il n’est pas nécessaire de faire des éditions. Vous ne pouvez vendre qu'un ou deux exemplaires d'une image. Au fur et à mesure que les ventes reprennent et que vous commencez à vous faire un nom, il est bon d'envisager de publier des éditions de votre travail.
Si vous mourez, votre travail doublera de prix
C'est probablement le plus grand mythe sur la photographie d'art et l'art en général. S'il est vrai que lorsque certains artistes meurent, leur travail devient beaucoup plus précieux, ce n'est pas la même chose pour tout le monde. Si l'artiste a eu une carrière réussie et a été collectionné par beaucoup de gens, il y a du vrai là-dedans.
Image avec des couleurs similaires et une longue exposition, mais ce n'est pas une image que j'inclurais dans une exposition.
Quand ils meurent, leur travail prend de la valeur car il devient rare. Comme aucun nouveau travail ne sera produit, tous leurs travaux antérieurs deviennent plus précieux. C'est tout ce qu'il y a, un montant fini, donc sa valeur augmentera.
Pour la plupart des artistes, notre mort n'aura d'importance que pour ceux qui nous entourent et nos œuvres d'art ne feront qu'augmenter en valeur sentimentale. C’est triste, mais votre mort ne va probablement pas augmenter la valeur de votre travail.
Être photographe d'art
Vous pouvez prendre de nombreuses mesures qui feront de vous un photographe d'art. Il existe de nombreux chemins différents et c'est à vous de décider lesquels vous allez emprunter. En fin de compte, être artiste, c'est travailler avec intention, avoir une direction et travailler de manière cohérente.
Cela serait très certainement inclus. La lumière a été changée et cela fonctionne avec la déclaration de l'artiste.
Les artistes exposent généralement leur travail avec l'idée de se faire une réputation afin que les collectionneurs l'achètent. Ceci, à son tour, conduit à une augmentation de la valeur de leur travail et ils peuvent vendre plus. Être artiste est une profession noble et qui remonte à des centaines d’années, qui ne veut pas appartenir à ce groupe?
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