Il y a quelques mois, j'ai visité le Metropolitan Museum of Art de New York. En arrivant là-bas, j'ai immédiatement couru voir le travail de l'artiste qui m'a le plus influencé: Vincent Van Gogh; l'artiste qui a changé la façon dont nous considérons la couleur comme un outil pour raconter des histoires; un artiste qui n'avait rien dans ses poches mais qui avait une passion sans fin pour la créativité et l'innovation.
Dans ce post, j'ai décidé de partager quelques méthodes de travail et astuces que j'ai apprises des portraits de ce grand artiste. Méthodes que j'ESSAYE, essayez simplement de les appliquer également dans mon travail.
3 choses que j'ai apprises sur la photographie de portrait grâce au travail de Vincent Van Gogh
Astuce 1: Utilisez la lumière comme un outil pour raconter des histoires dans vos portraits:
Vous pouvez traiter la «lumière» de l’une des deux manières ci-dessous:
- Quelque chose qui ne fait qu'illuminer vos sujets. Un fait existant, que vous ne pouvez pas contrôler
- Un outil créatif. Quelque chose dont il faut être conscient, comme être conscient de l'objectif ou de l'appareil photo que vous utilisez
Source d'inspiration
Remarquez comment la lumière affecte l'histoire dans ce dessin d'un paysan de Nuenen.
Le choix de créer le portrait du paysan la nuit (ou une pièce sombre) sous la lumière pâle d'une seule ampoule, qui forme de nombreuses ombres sur son visage, renforce la sensation sombre provenant de cette image - une sensation d'homme qui travaille dur. Vous pouvez imaginer que créer le portrait du même gars, à la lumière du jour, dans un espace ouvert, créerait une histoire complètement différente.
Mon interprétation:
Dans cette image d'Apollo-mo, un agriculteur de 61 ans et chaman de village de la communauté Akha au Laos, j'ai essayé de créer la même sensation de «travail acharné» que dans le «Paysan de Nuenen». J'ai choisi de capturer Apollo en intérieur (le gardant également très compressé à l'intérieur du cadre) avec ce fond sombre et une lumière dramatique à source unique provenant de son côté droit, créant des ombres très profondes sur son visage. Bien sûr, je pourrais photographier Apollo à tout autre moment: rire avec sa famille et ses petits-enfants, travailler sous la douce lumière du coucher de soleil et ainsi de suite. Pourtant, j'ai choisi de le montrer tel que je le percevais - comme un homme qui travaille dur avec une histoire de vie difficile. C'est exactement ce que je voulais que le spectateur ressente.
Astuce 2: Exploiter la puissance des couleurs complémentaires
L’utilisation de la couleur par Van Gogh était révolutionnaire et de nombreux livres et thèses examinaient déjà la question en profondeur. Ce que je voudrais présenter ici, c'est une petite fraction de son approche de la couleur: comprendre le pouvoir des couleurs complémentaires.
Vous pouvez penser aux couleurs complémentaires (et ce sera une manière très superficielle de le dire) comme deux couleurs, assises côte à côte et, ce faisant, créant un grand impact sur les téléspectateurs.
Van Gogh a souvent utilisé des couleurs complémentaires dans ses œuvres. Vert et rouge, orange et bleu, violet et jaune - il a tout fait.
Dans mon travail, j'essaye de garder ce principe de couleurs complémentaires à l'esprit.
Source d'inspiration:
Mon interprétation:
Le rouge et le vert ou l'orange et le bleu travaillent ensemble pour créer un portrait plus fort.
Astuce 3: La puissance du regard «hors caméra»
Dans la plupart des portraits, qu'il s'agisse de photographies ou de peintures, la personne regarde directement le spectateur. Le travail de Van Gogh m'a appris que parfois, quand une personne regarde «hors caméra», cela peut donner à mon image une sorte de sentiment naturel, parfois mélancolique, mais toujours puissant.
Source d'inspiration:
L'artiste a réalisé ce tableau au cours des derniers mois de sa vie. Et bien que la situation semble apparemment agréable (femme debout dans un champ), la tristesse et les difficultés sont certainement présentes, principalement en raison du regard hors caméra.
Mon interprétation:
Ainsi, lorsque je veux transmettre un sentiment de souffrance ou de tristesse, j'essaierai de capturer mon sujet dans un moment sans surveillance, en regardant hors de la caméra.
Cela ne peut être fait que si vous avez une bonne relation avec votre sujet, ce qui vous permet de travailler à distance et d'être toujours «transparent».
Je ne dirai pas au sujet quoi faire («maintenant, regardez hors de la caméra et agissez sexy»). J'attendrai juste le bon moment pour cliquer sur l'obturateur.
Conclusions
Utiliser la lumière comme outil créatif: Essayez de faire correspondre l'histoire que vous voulez raconter à la lumière utilisée. Une possibilité est de contrôler la lumière: flash, réflecteurs, etc. l'option la plus simple consiste simplement à choisir le bon moment pour prendre la photo. Histoire dramatique? Choisissez un moment où il y a une situation d'éclairage difficile ou dramatique. Une histoire sur les moments heureux de la vie? Laissez votre lumière transmettre ce sentiment en travaillant dans une lumière douce et pleine de couleurs, comme au temps d'or (avant le coucher du soleil ou juste après le lever du soleil)
Surveillez les couleurs complémentaires: afin de créer des portraits puissants.
Pensez à la direction du regard du sujet comme un outil créatif: Parfois, un regard hors caméra peut donner à votre histoire un impact émotionnel exceptionnel.
L'histoire de Vincent van Gogh est aigre-douce. D'un côté, un artiste dont les toiles sont connues de tous et vendues aujourd'hui pour des millions de dollars. D'un autre côté, un artiste qui a eu une grande lutte financière et émotionnelle tout au long de sa vie.