par Declan O’Neill.
Dans mes jours d'étudiant, je devais lire un livre appelé Le miroir et la lampe par M. H. Abrams. À l'époque, cela semblait plutôt terne sur la tradition romantique et la critique littéraire. Le livre soutient qu'avant le mouvement romantique, les artistes tenaient simplement un miroir à la nature. C'était leur travail de refléter fidèlement ce qu'ils voyaient. Avec l'arrivée des romantiques, l'artiste s'est transformé en quelqu'un tenant une lampe pour illuminer la scène avec sa propre passion et vision. Pour une raison quelconque, je n'ai jamais réussi à oublier tout à fait ce livre et sa véritable signification n'est apparue que des années plus tard, alors que j'ai commencé à remettre en question ce que je faisais en tant que photographe.
Après de nombreuses années d'utilisation de mon appareil photo, j'ai réalisé que la plupart des photographies que je prenais n'étaient que des reflets du monde qui m'était présenté. C'était presque comme si les photographies avaient été prises au hasard - un joli coucher de soleil ici, un paysage de neige scintillant là-bas. Si je voulais être plus qu'un miroir, comment pourrais-je utiliser une lampe pour éclairer mon sujet? Pourtant, l'idée que je devrais devenir un visionnaire avec un appareil photo n'a pas séduit parce que je crois que les images doivent être isolées sans que la présence du photographe ne jette une ombre sur elles.
Scan avec l'aimable autorisation de Masters of Photography
Quand j'ai étudié le travail des photographes que j'admirais, une chose s'est démarquée. J'ai d'abord pensé que c'était une certaine ambiguïté: je verrais une chose et mon ami verrait autre chose. Puis j'ai réalisé que ce que nous voyions était simplement le pouvoir de la métaphore. L'image a été composée de manière à ce qu'il y ait de la place pour la façonner selon notre propre sens. Ce n'était ni un miroir ni une lampe. L'image était un chiffre qui permettait à chaque spectateur de la décoder à sa manière.
Je doute qu'un photographe se propose délibérément de créer des métaphores à moins de photographier du matériel pour des banques d'images. Vous connaissez le genre de choses - un homme en costume d'affaires debout au sommet d'une chaîne de montagnes, tenant un ordinateur portable et regardant le coucher du soleil. Les métaphores dans nos photographies ne sont généralement pas intentionnelles. Lorsque nous parlons de métaphores, nous disons vraiment que ces images ont une signification pour nous au-delà de leur sujet. Pour expliquer le rôle de la métaphore en photographie, j'ai besoin de parler de peinture.
J'ai découvert la peinture dans la vingtaine à travers les œuvres des peintres impressionnistes. Je suis tombé amoureux de la douceur délicate des femmes de Renoir et des couleurs complexes des paysages de Monet.
Je les aime toujours mais ils ne satisfont plus. Quand j'avais la quarantaine, je suis allé à une exposition d'autoportraits de Rembrandt à la National Gallery de Londres. Ce fut une expérience qui a transformé ma vision de l'art pour toujours.
Les peintures représentaient la vision changeante de Rembrandt de lui-même. Commençant comme un jeune dandy bien habillé dans la vingtaine, les peintures ont traversé l'âge moyen pour des études douloureusement honnêtes de lui-même en tant que vieil homme. Sa technique de peinture est passée de lisse et à la mode à rugueuse, presque brute. Son processus a délibérément changé à mesure que son sujet grossissait avec l'âge. D'une manière étrange, sa technique était une métaphore du processus de vieillissement qu'il observait en lui-même.
Cela peut sembler loin de cette idée à l'art de la photographie mais, en réalité, ce n'est pas le cas. De nombreuses photographies que je vois sur le Web sont belles comme l'art impressionniste est beau. Pourtant, ils me laissent en vouloir plus.
De temps en temps, je verrai un travail qui est brut et viscéral et qui enfreint toutes ces règles sensées que nous sommes censés suivre. Cela parle d'une implication totale avec le sujet mais, plus que cela, cela me fait poser des questions. Avec Rembrandt, j'ai réalisé que je ne regardais pas seulement un autoportrait. Je regardais un homme se réconcilier avec sa propre mortalité. De plus, cela m'a amené à me regarder et à examiner mon propre parcours de jeunesse en âge.
Avec certaines photographies, nous discernons que l'image a un message caché. Ces images déclenchent souvent des références internes et elles nous parleront uniquement dans une langue que nous comprenons. Il est peut-être inexact de parler du langage secret de la photographie. Ce n'est pas tant un secret qu'intensément personnel. En tant que photographes, nous contrôlons la composition et la technique, mais ce n'est que le début de ce que nous faisons. Notre meilleur travail offre souvent des couches de sens que nous n'aurions peut-être jamais imaginées.
Declan O’Neill est un photographe professionnel vivant dans l’île du sud de la Nouvelle-Zélande.
site: www.newzealandlandscape.com